** Seccion actualizada

COMO EN AÑOS ANTERIORES LOS SELLOS NO UTILIZADOS SE HAN REENVIADO A LA FEN A PRINCIPIOS DE OCTUBRE

"NACI DESNUDO Y VOY A MORIR DESNUDO, NO VEO NADA MALO EN ELLO"

Justin Timberlake

EL ARTE Y EL DESNUDO

En el Mundo, pese a que facebook ha tardado mucho tiempo en reconocerlo, tanto en los grandes museos como en la galerias privadas y en la labor de los artistas, el desnudo y el arte van casi siempre de la mano.

El Equipo de redacción del Blog ha creido util agrupar en esta Sección aquellas noticias que, sobre estos temas se vayan recopilando. Con el tiempo, se ira trasladando aqui las informaciones ya publicadas, por creer que en este lugar tienen una mejor cabida.

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La Venus de Milo cambia de sexo: escultura falseada
19 de Mayo del 2017
Lo nunca visto: embarazadas, niños obesos, hermafroditas, viejos, celulitis, muertos… Tras ser expulsada del arte, la realidad es la protagonista de la exposición de Mateo Maté, que altera esculturas clásicas con leves toques. ¿Es la primera exposición populista?
Venus de Medici (hermafrodita)
Estamos curados de espanto, ¿cómo podemos curarnos de eso? ¿Cómo puede el arte superar el impacto de First Dates? Una vez el espectador ha perdido todos sus afectos y nada le toca por el exceso de visibilidad, cómo puede el arte, acorralado por la obscenidad de la realidad, recuperar su lugar en este mundo de pornobostezo. Una Venus de Milo con pene y, de repente, amanece. Un Discóbolo negro y el amor de Hitler por la escultura griega queda aguado. Para Mateo Maté (Madrid, 1964) derrotar a la asepsia que nos cura de espanto es un juego y el mayor de los retos de cualquier artista.
Mateo Maté mira el Discóbolo que ha envejecido 40 años. Moeh Atitar
En la Sala Alcalá 31, de la Comunidad de Madrid, inaugura Canon (hasta el 23 de julio), una exposición que pretende acabar con el canon. Para lograrlo ha contado con la inestimable ayuda de la Academia de Bellas Artes de San Fernando. De las cuevas de los académicos han salido los moldes -que se conservan como las joyas de la Corona, entregados en tiempos de los viajes de Velázquez- para hacer las copias en escayola de 15 esculturas que falsean el canon. Es un recorrido laberíntico, marcado por catenarias, que dirigen al espectador por el nuevo relato de la Historia del Arte y la Moral.
Míralo. Por fin se ha convertido en la mujer que siempre quiso ser y que espero durante 2.000 años. Ahora es una mujer bellísima
Maté no ha respetado ni los penes. Aquellos atributos masculinos que los griegos jibarizaron para sobrevivir a los siglos y siglos de censura -desde la Inquisición católica a Mark Zuckerberg-, gracias a un tamaño invisible, crecen hasta normalizarse. Hasta ruborizar. Porque la normalidad escandaliza: “Míralo. Por fin se ha convertido en la mujer que siempre quiso ser y que espero durante 2.000 años. Ahora es una mujer bellísima”, explica el artista a los pies de Apolina, a la que ha cambiado de sexo a partir de la copia de una obra romana, Apolino, quizá a su vez copiada de una escultura de Praxíteles (siglo IV a.C.).
La venus hermafrodita de Mateo Maté.
Todo lo políticamente modélico ha sido sustituido por lo políticamente correcto: machismo, sexismo, homofobia y racismo han sido expulsados de la sala. Ahora la escultura se parece más a la vida, a la realidad. A First Dates. Ahora, las esculturas son viejas, fofas y tienen celulitis. “Ante la ley y el orden del poder, la creatividad y libertad de la vida”, asegura Maté a EL ESPAÑOL su propósito con este recorrido.
Abajo los tabúes
Si Apolino se ha convertido en Apolina, la Venus de Médici es hermafrodita. Luce sus pechos redondos y una pelvis de la que cuelga un aparato reproductor masculino. Efectivamente, es la exposición que no soportarían las organizaciones que defienden que las manzanas son manzanas y las peras son peras. De hecho, Maté presenta también una delicada intervención en el Niño de la espina, a partir de la copia del Spinario, obra romana en bronce, de la primera mitad del siglo I a.C., y conservada en los Museos Capitolinos (Roma). Aquí es Niña de la espina.
El artista junto a la Niña de la espina. Moeh Atitar
Le ha bastado con añadir materia a sus pechos para cambiarlo de sexo: su rostro se mantenía en la dulce ambigüedad que desarticula el integrismo de las etiquetas. No es una venganza contra el canon que asfixia, lo es también contra los bárbaros que piensan que destruyendo las imágenes las harán desaparecer. Maté demuestra que, en sus objetivos propagandísticos del terror islamista, habría sido mucho más poderoso alterarlas.
El poder de los artistas es trabajar con la iconografía para despertar las sospechas o sembrarlas en los demás, y mostrar que las cosas no son tal y como te las venden
“Mi trabajo es compartir mis sospechas. El poder de los artistas es trabajar con la iconografía para despertar las sospechas o sembrarlas en los demás, y mostrar que las cosas no son tal y como te las venden”, dice. “Por eso quien vea estas imágenes nuevas no le va a quedar más remedio que asumirlas y relacionarlas con las originales cada vez que las vea. Un artista debe hacerse un hueco en la mente de los demás. Eso es un éxito”. Y hacerlo con sosiego, sin violencia. A pesar de las figuras decapitadas de Aristóteles y Menandro, del Museo Nacional de Escultura de Valladolid. Viva imagen de cómo valoramos la filosofía. 
Arte populista
Canon no es un mapa ni un laberinto de la cultura, la muerte y la religión. Es un cortocircuito contra el fanatismo que acaba con los iconos y hunde el canon, sin vociferar, sin ofender, sin agredir. Eso sí, marca de la casa: sobredosis de ironía. “Con 30 gramos me ha bastado para cambiar el sentido de algunas esculturas”, dice. Como los labios y la nariz del Discóbolo de raza negra adorado por Hitler. Mateo ha contado con la ayuda de los maestros formadores de la Academia y ha pasado meses aprendiendo a modelar. Sus virtudes artísticas siempre han partido del mundo de las ideas.
Como es habitual en su trayectoria de más de una década, Canon también es un cuestionamiento del poder y de sus herramientas de propaganda. En este caso, el arte (político). “Parece muy antiguo, pero sigue estando muy presente en la publicidad. Porque trata de colar modelos como lo hacían los griegos y romanos. Con este trabajo juzgo cómo los poderes usan el arte para establecer el orden y las estructuras de poder”, cuenta junto a la Venus de Esquilo, una copia de una escultura de mármol romana, conservada en los Museos Capitolinos. Aquí está embarazada.
Lo jamás visto: embarazadas, niños obesos, hermafroditas, viejos, celulitis, muertos… La realidad que ha sido expulsada del arte. La mayoría. Podríamos considerarla la primera exposición acorde a los tiempos, populista. La que recupera para el pueblo un espacio que había estado secuestrado por una élite y un ideal. Era fácil desmontar la mentira: se podía utilizar el código genético original de la escultura del poder para convertirla, con naturalidad, en escultura popular. Mateo Maté ha descubierto la mentira y se ríe de ella.
De hecho, ninguna de las acepciones de la palabra “canon” dice la verdad. A saber, “mentir”. Para el diccionario “canon” es la regla o precepto, el modelo de las características perfectas, la regla de las proporciones de la figura humana, conforme al tipo ideal aceptado por los escultores egipcios y griegos… Ninguna explica que el canon no representa a la sociedad que representa, sino a sus aspiraciones inverosímiles, a las mentiras construidas por unos pocos para todos. El canon es fuente de frustración y nostalgia, un recurso perfecto de la publicidad, que lo rescata para crear un modelo inalcanzable y carísimo.


Fotógrafos con (sexo) sentido: la erótica de la mujer sentada
21 de Enero del 2017
·       Fotógrafos y modelos pasando el suficiente tiempo juntos como para relajarse y crear imágenes artísticas sensuales
Benjamín Askinas
“Fue una sesión con muy buen rollo. Estábamos haciendo una campaña para una marca de ropa interior y nos pusimos a jugar”. Minerva, la modelo española que hace esta declaración, se sintió tan relajada durante la sesión que acabó sentada y en cueros, cubierta únicamente por sus extremidades. Como Minerva, siete modelos más han posado sentadas (y con la poca ropa que uno puede llevar en su casa) para fotógrafos que encontraron en ese estado de reposo la erótica que estaban buscando. Tan solo unas toallas, unos vinilos, un plato de fruta o una escultura con la mirada clavada en el cuerpo de la actriz Elizabeth Hurley, comparten plano con estas mujeres que evidencian cómo los gestos más cotidianos sugieren más que cualquier postura ortopédica.
Por el honor de Elizabeth Hurley, de John Stoddart (1990)
Hugh Grant y Elizabeth Hurley se enamoraron en el rodaje de Remando al viento (1988), la película del director español Gonzalo Suárez. La pareja estuvo junta hasta 2000. Dos años después de la película Hurley era retratada de esta guisa por el célebre fotógrafo John Stoddart –un tipo que no conoce el miedo: tiene una foto que se titula Mujer y Aston Martin–. En aquella cinta, una jovencísima Hurley mostraba sus pechos en todo su esplendor. Bueno, al menos esto es lo que servidor pensaba. Pero convivían otras corrientes de opinión. Entre ellas, la de un amigo que afirmaba que las ubres de la Hurley eran estrábicas. Tras dos botellas de vino y una acalorada discusión, se ganó un cachetazo. Sólo me he peleado dos veces en mi vida: una defendiendo la anatomía de una mujer que no conocía (y perdiendo un amigo en el lance) y otra defendiendo el honor de un equipo de fútbol del que no era seguidor (y perdiendo medio diente en el trance). 25 años después, aquel equipo se resiste a bajar a segunda y Liz Hurley reaparece en esta imagen subastada el mes pasado a través de la Catawiki (una de los mayores emporios de este negociado online) y despachada por la friolera de 5.700 euros. Si a alguien se le ocurre decir que no los vale, se lleva un bofetón.
John Stoddart
Buenos días y buenas sombras, de Stéphane Moreau
“No me hice fotógrafo para mentir o hacer trampas”. El francés Stéphane Moreau, como si fuera un político en campaña electoral, se muestra así de tajante con respecto a su compromiso con la espontaneidad y la naturaleza, tanto la viva como la muerta. “Esta foto fue sacada en un piso de París, cerca de la Bastilla, que hasta hace poco utilicé como estudio. Me gusta que las fotos se hagan en lugares habitados”, incide. Gente viva en sitios vivos. Aquí, Margot, una buena amiga de voraz apetito y extrañas maneras a la hora de sentarse, cuyo apodo es Blondie. Además de modelo, es actriz, pero, sobre todo, colega. “La retrato con frecuencia porque es amiga y porque es de ese tipo de chicas que me gustan, chicas que no necesitan que les saquen fotos para saber que son bellas. Ella lo sabe, y esa confianza me atrae mucho”. Cierto es que hay que estar muy seguro de sí mismo para aparecer de esta guisa en una foto y que el resultado sea tan atractivo que un día, una revista española, llame al retratista, le pida permiso para reproducirla y este responda: “¡Qué listos! ¡Gran elección! ¡Es de mis mejores fotos!”. Le íbamos a pedir una de la serie que hizo en un sitio que parece una central nuclear, pero nos pareció demasiado sexy.
Stéphane Moreau
Cumpleaños desliz, de David Paul Larson
Le hemos pedido a David Paul Larson, fotógrafo radicado en Nueva York, que nos cediera esta bella imagen de peculiar semiótica en la que la modelo, por primera vez, no enseña nada suyo. Le hemos hecho las preguntas de rigor, y el hombre, que ha sido asistente de Mark Seliger y ha trabajado para Creem o Calvin Klein, nos ha respondido con la natural economía léxica que caracteriza a los fotógrafos, pero también con el inherente buen gusto que se le supone a cualquier que haya sido elegido por nosotros para aparecer en esta página: “Si esta foto fuera una canción, sería Glory box, de Portishead”.
David Paul Larson
La vida se le quedó pequeña, de Arthur Elgort
Fire Island, Nueva York. “Gia solía planear su huida de las localizaciones aún antes de empezar a trabajar. Aquí, con rulos en la cabeza, ya estaba reservando su vuelo de regreso. Me llamaron para que limpiara su suciedad en la foto, pero yo no veía nada malo en ella: me parecía bellísima…”. La imagen es una doble prueba. Por una parte, revela la extraordinaria belleza de la joven Gia Carangi (1960-1986), la célebre maniquí estadounidense de ascendencia italiana, irlandesa y galesa, considerada una de las primeras supermodelos de los ochenta, víctima del VIH antes de cumplir los 30 y precursora del heroin chic hasta el punto de que, décadas después, las modelos que consumían heroína seguían llamándose Las chicas de Gia. Por otra, demuestra el gran valor artístico del fotógrafo, el neoyorquino Arthur Elgort (1940), quien antes de dedicarse a la fotografía estudió pintura. De hecho, la composición parece un homenaje fotográfico a Egon Schiele. La imagen pertenece al recién publicado The Big Picture, su primer volumen de compendio de cinco décadas de actividad, que incluye trabajos realizados para revistas como Vogue, Interview, GQ, Life y Rolling Stone, así como sus campañas para Chanel, Valentino o Yves Saint Laurent, entre otros. El libro, recién publicado por Steidl, tiene 424 páginas y cuesta 78 euros.
Arthur Elgort
Tocar la toalla, de Benjamín Askinas
Todos tenemos extrañas filias y una de las de quien esto escribe es la ropa de casa de Benetton. Hasta que la descubrí, las sábanas duraban hasta que se rajaban (algunas incluso unos meses más), las colchas eran todas heredadas (su valor era sólo temporal, jamás sentimental) y las toallas servían indiscriminadamente para ir a la playa, al gimnasio o para secarse cada mañana tras salir de la ducha (a veces, cuando la alfombra del baño estaba en la lavadora, podían también ejercer su sufrida y terrestre función sin provocar ningún cargo de conciencia en el usuario). Mientras quien esto escribe trasteaba por los portafolios que el fotógrafo afincado en Los Ángeles Benjamín Askinas tiene colgados en su Web, se topó con bellas fotos de bellas mujeres bellamente iluminadas. Fue un cuarto de hora de clics. Uno de aquellos momentos que suceden una vez al mes y que hacen que este trabajo valga la pena. "Bonita luz", dijo alguien. "Bella señorita", apuntó otro. "Qué órgano, mi abuela tenía uno igual y tocaba siempre La marsellesa", informó el de más allá. Mientras, quien esto redacta sólo pensaba en, claro, la toalla.
Benjamín Askinas
Platino es, de Jaume de Laiguana
Minerva es platino. "A los fans les cuesta reconocerme si no voy de rubia platino”, cuenta enérgica a través del teléfono la modelo madrileña, recién reciclada en diseñadora de joyas y ropa para la firma Wolflamb. Está aliviada: le acabamos de contar que hemos escogido la foto que ahora mismo usted observa y se ha puesto la mar de contenta. “Fue una sesión con muy buen rollo, siempre trabajo genial con Jaume de Laiguana. Estábamos haciendo una campaña para una marca de ropa interior y nos pusimos a jugar”. Y jugando, jugando, una de nuestras más internacionales y polifacéticas maniquís se quedó en cueros y decidió utilizar sus extremidades para cubrirse. Pasó una vez, lo están viendo ahora.
Jaume de Laiguana
Autorretratos en la era del ‘selfie', de Yulia Gorodinski
En la época previa al selfie, cuando un hombre pensaba en qué haría si por un día fuera una mujer bella, la propuesta más habitual era quedarse en casa y pasarse la jornada jugando con sus pechos. Ahora es muy probable que la respuesta fuera sacarse fotos con el móvil y darle al enviar a todos. Yulia Gorodinski, una bielorrusa afincada en Tel Aviv, tiene la suerte de ser ella misma todo el rato, y para celebrarlo se dedica desde hace casi un lustro a retratarse en lugares públicos y privados; vestida y desnuda. “Al principio, solo pensaba en sacar buenas fotos de mí en sitios interesantes. Pero poco a poco fui viendo que estaba también capturando mis emociones y que todo eso me estaba ayudando a manejar mis sentimientos. Como toda obra de arte, empezó como una risa y terminó con un significado”, explica la chica, quien, además de por motivos psicoanalizables, adora ser su propia modelo por razones nada narcicistas, muy de la era preselfie. “Es muy cómodo, estoy siempre disponible y jamás me niego a nada”.
Yulia Gorodinski
Cámbiame, de Eric T. White
“Debido a circunstancias que se escapan a mi control he resultado ser una persona maravillosa”. Esto se lee en una sudadera que luce la modelo Paige Elkington en una de las imágenes que pueden verse en su cuenta de Instagram. Obviamente, cuando una mujer así te pide que vayas a su casa y le saques fotos, vas. Y si eres un fotógrafo, como Eric T. White, que ha trabajado para The New York Times, Evening Standard o Nike, pues logras una captura como esta. Y si no eres fotógrafhttp://elpais.com/elpais/portada_america.html?cp=2o, pero Paige te lo pide igualmente, pues te compras una cámara. Y vas. Cualquier persona que sea invitada a casa de Paige es imposible que se resista a acudir. ¿Exageramos? No. Mire lo que se lee en otro post en Instagram de la muchacha: “He puesto mostaza y un poco de mi propia orina en la quemadura que me hice en la frente tratando de rizarme el cabello y no funciona. ¿Alguna sugerencia para poder lograr que esto se cure?”. La foto es un selfi frente al espejo y ella sale pasando la aspiradora, con medias y un vestido transparente. El momento en que Paige se quemó, pero sobre todo, en el que decidió colgar esta foto con este mensaje, sin duda, entran en la categoría de lo que Eric considera que vale la pena retratar: “Una buena foto es una que captura un momento, y un buen momento es ese que te hace cuestionar cosas o pensar en cosas mucho más grandes”.
Paige Elkington




Fotógrafas con (sexo) sentido: chicas desnudas retratadas por chicas
13 de Enero del 2017
Cualquier escenario es válido para captar la erótica del momento íntimo que surge entre la mujer retratada y la que se esconde tras la cámara
"Todos pueden ver la belleza en el cuerpo femenino. Quienes no se percatan de eso, es que son unos pervertidos".
La afirmación categórica la pronuncia Tamara Lichtenstein, fotógrafa de 24 años de Huston (Texas, EE.UU) y refleja la esencia de la serie de fotografías que viene a continuación. Estas imágenes descubren la sensualidad femenina desde un prisma al que sólo se accede cuando es otra mujer la que aprieta el disparador. Cualquier escenario es bueno para captar la erótica del momento íntimo que se da entre las dos mujeres: el salón de la casa de la fotógrafa, un palé en medio de una habitación vacía, un estudio en obras cubierto por el polvo, una cabaña en el estado de Queensland o el balcón de un edificio.
Al final de la calada
En 2011, la fotógrafa Sisilla Piring aún vivía en Chicago. Su rutina consistía en fotografiar a sus amigas en casa, al principio acometiendo acciones cotidianas; más tarde, acometiendo acciones cotidianas semidesnudas. Cuando fue tomada esta foto, a mediados de aquel año, Sisilia, que hoy reside en Los Ángeles, publica regularmente en el blog de Urban Outfitters, en Refinery 29 o en Blink y ha fotografiado una de las últimas campañas de Samsung, acababa de arrancar su serie Babes, dedicada a retratar “a chicas con rollo, que sean diferentes, alejadas de lo obvio”. Aquella mañana había conocido a Rachel en una agencia de modelos. Por la tarde fue a su loft y le sacó esta foto de aires nouvelle vague. Luego, Rachel se enfundó un bikini fucsia, cogió su skate y se fue a patinar.
Sisilia Piring
Mechas australianas
La verdad es que Sarah Tansy, que es el nombre real del ser humano que firma sus fotografías como LeTansy, es tan guapa que parece casi un insulto que se dedique a retratar a otras chicas. Casi ninguna, por muy bien fotografiada que esté, alcanza las cotas de belleza de esta australiana trotamundos. De rastros aniñados, piercing en la nariz y actitud desafiante, Sarah explica su vida en su Web con una mera imagen en blanco y negro de ella misma. Contactamos vía email porque, tras recorrer su Instagram y rastrear su Web, quedamos prendados de una foto en la que aparece una chica en bikini tendida debajo de un viejo y gigante coche norteamericano. Nos la manda. Luego damos con otra en la que aparece en un garaje una fémina de curvas sinuosas dándonos la espalda rodeada de enseres mecánicos. Se la pedimos. Nos la manda. Más tarde, encontramos este maravilloso retrato de una chica cortándose el pelo desnuda, en una postura complicada y sobre una especie de palé. Se la pedimos. Nos la manda. Entonces, le escribimos pidiéndole que nos mande unas líneas sobre ella y la historia sobre esta foto que afirma haber tardado días en encontrar, pues se había olvidado de ella. Nos manda a la mierda. Amor es una palabra que queda pequeña para reflejar lo que sentimos por ella.
LeTansy
En construcción
Durante 17 años, esta tejana licenciada en Bellas Artes fue saltadora hípica. Cuando se retiró del mundo ecuestre empezó a desarrollar una carrera como fotógrafa y directora de cine de animación. Un día, ella y la gente de su banco decidieron que las cosas le iban suficientemente bien como para tener estudio propio. El local que encontró era parte de unas antiguas caballerizas sitas en Irving, localidad cercana a Dallas. Todo tenía sentido. Así que se puso a hacer obras para acondicionar el espacio. Una tarde, cuando los operarios ya habían terminado su jornada laboral, Molly quedó con una modelo llamada Scarlett Lillian con el fin de jugar un rato con la cámara. “Fue la primera sesión que tuvo lugar en el estudio. Como se ve, estaba lleno de basura y equipamiento para hacer obras”, recuerda la fotógrafa y examazona. “No teníamos nada concreto en mente cuando empezamos a sacar fotos. Entonces, decidimos que sería divertido que Scarlett se tumbara sin ropa sobre el polvo. Cuando se levantó, las huellas de su cuerpo desnudo quedaron ahí. Me parece que los obreros, al llegar la mañana siguiente, debieron llevarse una sorpresa”. Hoy, Molly vive a caballo entre Texas y Nueva York, trabaja para instituciones como el equipo de fútbol americano Dallas Cowboys, Scarlett es una de sus mejores amigas y, cada vez que pasa por delante de una obra, mientras usted ve el fin de la crisis, ella recuerda esta foto y el principio de su carrera.
Molly Dickson
La década contagiosa
Como mucha gente que no vivió esa época, la fotógrafa, estilista, directora creativa y cazatalentos australiana Marisa Taschke vive enamorada de la década de los setenta. Esta foto, como casi toda su obra, evoca aquella era de terrorismo, genocidio, crisis financieras, pantalones de campana, rock progresivo y proxenetas elevados a la categoría de héroes cinematográficos. La imagen fue sacada en una cabaña en Sunshine Coast, en el estado de Queensland y, como ya viene siendo habitual en esta sección, la modelo es una de las mejores amigas de quien la ha retratado. Se llama Karen Fenton y, como también es habitual, es la más en diversos negociados. En esta ocasión, y según la misma Marisa, “la más alucinante y despreocupada criatura de este planeta”. De la sesión, la artista recuerda cómo, por arte de magia, se encontró en un entorno en el que todo encajaba con su cosmovisión. “La localización me inspiró, con toda esa decoración vintage danesa y esa luz natural. Era ideal para capturar la verdadera esencia de Kate”. Taschke no tuvo ni que acercarse a un mercadillo para encontrar una Polaroid estropeada y unos pantalones de tiro alto, de aquellos que sólo pueden calzarse quienes tienen un volumen de grasa en abdomen cercano al cero o descarten sentarse en todo el día. En los setenta todo era tan atractivo como inútil o moralmente dudoso.
Marisa Taschke
Sobre el mundanal ruido
“Fotógrafa de 24 años. Houston, Texas. Le inspira la moda, la feminidad y la juventud”. Así de escueta es la biografía que aparece en la página personal de Tamara Lichtenstein, responsable de esta imagen de la modelo Leann Roberts en una azotea del centro de Houston luciendo un body de Jacob Childs Couture y marca de bronceado. “Empecé a sacar fotos a los 12 años, pero hasta hace dos años solo había sacado fotos a colegas”. Hoy Tamara trabaja para firmas como Urban Outfitters o Converse y dice que desde que se compró su primera cámara no ha pasado un solo día sin que haya retratado algo o a alguien. “Incluso durante los tres años que estudié enfermería, porque alguien me dijo que eso me daría estabilidad, o durante los trabajos de mierda que tuve que coger para estudiar eso y ganarme esa estabilidad de las narices”, informa la fotógrafa, quien adora retratar a chicas con poca o ninguna ropa porque “todos pueden ver la belleza en el cuerpo femenino. Quienes no se percatan de eso, es que son unos pervertidos”.
Tamara Lichtenstein


El arte al desnudo de Milo Moiré: ¿'performance' o porno camuflado?
23 de Noviembre del 2016
"La línea entre arte y pornografía siempre ha sido muy difusa", defiende la suiza
Esta semana surgía la polémica al descubrirse que las calles de Madrid habían sido escenario de algunas secuencias de cine porno, rodadas en 2015. Se ha llegado a plantear si sus responsables habían incurrido en un delito. En otras partes del mundo, la artista Milo Moiré vive una situación así de forma habitual. Pasea desnuda en museos y en el transporte público, pinta cuadros con su vagina e invita a transeúntes a que toquen sus genitales en pleno centro de Londres.
Un hombre se refleja en un espejo mientras toca los genitales de Milo Moiré en Mirror Box
Las propuestas de la suiza de 33 años, llegan a todos a través de las redes sociales. También vende sus grabaciones sin censura en Internet. Con ellas, asegura, busca la igualdad de género a partir de "algo tan natural" como la desnudez. "La línea entre arte y porno siempre ha sido muy difusa", reconoce ella misma a Verne, sin sentirse ofendida por aquellos que consideran sus performances grabadas como un mero negocio sexual.
¿Es consciente de que prescindiremos de sus imágenes más explícitas a la hora de ilustrar esta entrevista?, cuestionamos a Moiré, quien se define así misma con un juego de palabras: "artivista" (artista + activista). Algunos de sus vídeos publicados en YouTube superan los 8 millones de visitas.
"Hay un doble estándar en los periódicos. Muestran imágenes llenas de violencia, pero tienen problemas con la desnudez. Un humano desnudo en una sociedad vestida representa intimidad, algo que en estos tiempos vivimos con extrañeza. Quizá debamos reflexionar sobre nuestra idea de lo que es perverso", responde a Verne través del correo electrónico.
#Liberté, #égalité, #fraternité. Milo Moiré
Formada en Psicología, Moiré desea "llevar la desnudez a nuestro día a día", explica en su página Web, donde recopila las propuestas artísticas que le han hecho famosa y le han llevado varias veces a las dependencias policiales de algunas ciudades europeas.
La primera vez ocurrió en París. Allí decidió ofrecer autorretratos desnudos a los turistas que paseaban frente al Trocadero. Asegura que su paso por los calabozos no forma parte de un truco publicitario. "Acabar en la cárcel nunca estuvo en mis planes. Es una experiencia horrible que no deseo a nadie", se defiende. Estas performances suponen para ella una intensa preparación porque, asegura, "el azar es una parte importante de ellas; es lo que les da cierta relevancia dramática".
El año pasado trasladó a Trafalgar Square (Londres) su acción artística que más repercusión mediática ha obtenido hasta el momento y que también le hizo visitar una comisaría británica. Se titula Mirror Box y en ella invita a transeúntes mayores de edad de varias ciudades del mundo a que le toquen sus pechos y genitales.
En el interior de la caja se encuentra una cámara que registra el momento en que las manos de los invitados entran en contacto con ella. La suiza edita vídeos con cada una de sus propuestas, aunque comparte una versión censurada en Internet para cumplir con los requisitos de las redes sociales. Las grabaciones sin censura pueden adquirirse en su página Web, pagando entre 5 y 8 euros por vídeo.
Explica que sus acciones callejeras le sirven para integrarse con la audiencia: "No se trata de comunicar algo al público, sino de crearlo juntos. Uso mi cuerpo como un instrumento, una herramienta con la que desprenderse de los patrones sociales y empujar a quien me mira a que se cuestione todos los convencionalismos en los que cree. Quiero que abran su mente". Es la misma razón, dice, por la que vende sus vídeos más explícitos a través de su Web.
Sus propuestas, en realidad, no se diferencian mucho de las que décadas antes idearon la llamada abuela de la performance, Marina Abramović, y su pareja Ulay. Admite el referente. "Fue una de sus obras Rhythm 0 (1974) la que hizo que me decidiera a no trabajar como psicóloga para seguir mi pasión artística. Su trabajo exuda energía y su presencia física es enormemente poderosa", asegura Milo Moiré.
Marina Abramović, en un momento de Rhythm 0
En esa performance, Abramović permaneció inmóvil durante seis horas e invitó a la audiencia a que hiciera cualquier cosa que le apeteciese usando alguno de los 72 objetos que había colocado en una mesa. Uno de los participantes llegó a apuntarle con una pistola cargada y otros le provocaron heridas.
La vertiente más sexual de las creaciones de Milo Moiré se mira en el espejo de Carolee Schneemann, una pionera que a partir de los 60 hizo del cuerpo femenino una forma de protesta artística ante el maltrato que su género ha recibido a lo largo de la historia. "Ella destrozaba tabúes. El uso radical de su propio cuerpo reclamaba igualdad y daba voz a las mujeres", defiende Moiré, quien acaba de ofrecer una conferencia TED explicando su punto de vista creativo.
¿Acaso el cuadro El origen del mundo, de Gustave Courbet, no pasó décadas escondido por considerarse pornográfico?", argumenta la artista sobre una de las obras estrella del Museo D'Orsay de París. Una pintura que también se ha encontrado con la censura de Facebook.
Otras provocaciones en nombre del arte
Uno de los lienzos resultantes de PlopEgg
Pintura vaginal.
La primera propuesta de Milo Moiré, PlopEgg, se presentó frente al edificio de la feria Art Cologne, y se ha repetido en varias ocasiones. En ella, expulsa huevos llenos de pintura desde el interior de su vagina hacia un lienzo hecho con reseñas de críticos de arte. Lo denomina "el nacimiento de un cuadro". 

Calendario erótico.
La artista, instalada en Alemania, posó para su pareja, el fotógrafo Peter Palm, en un calendario titulado The twelve muses (Las doce musas) con ciertas referencias al lenguaje expresivo de Helmut Newton. Lo vende en Internet.

Desnuda en el museo.
 Para The naked life paseó por un museo de Münster (Alemania) admirando los cuadros de desnudos expuestos en la pinacoteca con un bebé en brazos. Su propia desnudez y la del niño que le acompañaba se hermanaba con la de las obras.



Un buen desnudo es mucho más que un cuerpo desnudo
16 de Noviembre del 2016
"No necesita enseñar a mirar el arte. La mejor manera de apreciar la pintura es sólo mirarla hasta que hable con usted".
Esto dijo Kathy Lette, inaugurando el verano AGNSW,  mostrando su cuerpo desnudo. La audiencia, en uno de los países más cultivados. ¿De veras? — murmuró la mente colectiva de la concurrencia— y sus mentes recorrieron todo el camino, desde la pubertad  a la actualidad,  intentando superar su ignorancia.

Kathy Lette inaugura Exposición desnuda
La galería de arte de Nueva Gales del Sur muestra más de 100 obras de arte de la London Tate Gallery.
Considerar el cuerpo. En el mundo del arte de Sydney se perfila como la estación del cuerpo. Con la ilusión de fabulosos cuerpos y la existencia de las momias egipcias así como el desnudo, el cuerpo es positivamente objeto de deseo y controversia.
Los teóricos clásicos consideraban el valor del arte en parte objetiva – la clase de armonía estética inherente Alberti llamado "concinnitas" – y en parte subjetiva.
Y tal vez porque todos tenemos uno, o porque nos gustan, o porque hacia, desnudez y deseo parecen apuntar nuestros chakras más bajos, generalmente suponemos basado en cuerpo en el arte sin pudor. Cualquier conversación sobre el desnudo comienza, incluso ahora, con la famosa 1956 frase de Kenneth Clark “entre el desnudo y simplemente desnudo”. Estar desnudos, argumentó Clark, debe ser "privado de nuestra ropa" – con un grado de vergüenza implícita en el "cuerpo amontonado y a pecho descubierto". El desnudo, por el contrario, nos da el cuerpo humano "equilibrado, próspero y seguro". Para Clark, el desnudo era "el cuerpo re-formado", un ejercicio en el perfeccionamiento de la naturaleza.
Muy bien, entonces, este dualismo se plantea al comienzo del desnudo – una empresa conjunta con la Tate de Londres—. Curiosamente, sin embargo, la pregunta nunca estuvo respuesta y muchos de los desnudos de la muestra, deliberadamente contradicen la máxima de Clark.
Ciertamente hay idealismo aquí: el Modigliani se ilumina con un gorgeousness que no pueden ser reproducidos, como hace el Matisse poco encantador, fabricy, Picasso pechugona y unos femmes neoclásico del siglo 19. El beso de Rodin – aquí más convincente que he visto en Londres o París – gira el mundo alrededor de él como un árbol. (Yo diría "como una gran figura Sydney", sólo el primer ministro podría llegar con su motosierra llameante – y que sería embarazoso.)
El beso de Rodin
Pero contra esa fiesta de gorgeousness son los desnudos que rechazan la perfección, busca activamente la verdad corpórea "amontonada y a pecho descubierto" de Clark. Teoría del arte clásico considera que tales warts'n' todo naturalismo como un signo de decadencia, pero quizás eso está mal. Quizás nuestro actual anhelo para el imperfecto es un signo de crecimiento.
Tal vez lo que realmente está sucediendo con desnudos sorprendentemente adorable autorretrato de John Coplans a los 70 años con pelo y bolsas de carne y de Rineka Dijkstra fotos inolvidables de posparto como incluso Bonnard extrañamente como cadáver desnudo en el baño, es una intuición de las verdades más profundas dentro de nosotros.
Kathy Lette con tiburones (Foto John Swannell)
Mucho se ha escrito sobre el desnudo, la mirada masculina y la cosificación del cuerpo (femenino). En 1972, John Berger señaló que el verdadero tema del desnudo tradicional era en realidad el espectador (hombre). Muchos pintores desde entonces han buscado compensación – que funciona como vertiginous Paul Rosano's Sylvia Sleigh reclinables (1974), cuya presencia en el desnudo causó Kathy Lette a reír por una espuma de atroz retruécanos sobre cuadros está bien colgados.
Pero esto es todavía cuerpo-como-objeto, en que el cuerpo se convierte en pasivo y opaco, algo visto. Tal vez la búsqueda de la imperfección es realmente un intento de representar el cuerpo transparente, que respecto al sujeto que es la definición de lo erótico.
Cópulas de Louise Bourgeois
De alegres cópulas Louise Bourgeois en las leyes de la naturaleza a la inseguridad indefensa de tallas grandes de Ron Mueck hombre salvaje, el intento es subvertir la empresa retrato entero, mirando a través del cuerpo en el alma.
Para Clark, el desnudo reconstituyó el cuerpo como arte. Aquí, nos vuelta arte en el cuerpo, con la esperanza de más intimidades exponer la condición humana y la verdad profunda que somos física y metafísica; tanto situado en el espacio y en el inconsciente colectivo.
Esto es fuertemente el tema central de fabulosos cuerpos viles del conejo blanco. De descendencia China de Zhang Dali, una "suspensión total" de los trabajadores emigrantes (que perfectamente counterpoints los tocinos carnosos en el desnudo) a la animación de pintura base maravillosa de Qiu Anxiong de ciudades, ovejas y mítico microbiología, pintura China contemporánea involucra el mundo moderno con ingenio, sabiduría y un encanto frágil y fugaces.
Miniaturas de Bosch-esque surrealistas de arquitecto Cheng Dapeng advierten del lado oscuro de la urbanización, con el cuerpo en 1 mil formas de exuberancia a descoser la solución existencial.
Arte occidental obsesiona sobre significado pero arte contemporáneo chino se sienta en el filo de ansiedad moderna, examinando los miedos e inseguridades de la enfermedad, darwinismo, modificación genética, guerra, pobreza, pérdida cultural y cambio catastrófico con un ingenio que es emocionante.
Aquí se hace muy evidente que el ojo educado es parte del trato. Para el ojo ignorante el orinal es solo el orinal. La caja de brillo es cartulina impresa. El desnudo es una imagen de un cuerpo, apenas diferente de una central de Playboy.
Esta exigencia de "ojo" no es nueva. Los teóricos clásicos, desde Aristóteles a Alberti, vieron el valor del arte como parte objetiva – la clase de armonía estética inherente Alberti llamado "concinnitas" – y en parte subjetiva. Kant, también escrito en el siglo XVIII, consideradas arte – baile – la colaboración entre objeto y espectador.
Arte contemporáneo, en que significado tan intensivo, es si cabe más exigentes – nuestro conocimiento y juicio, nuestro ojo educado. Sugerir lo contrario, que arte es una especie de ven-como-usted-son de bajo alquiler guateque en suéteres y daks tracky, juega a la Trumpism de roca de fondo debemos ahora todos evitar como la plaga.
Twitter: @emfarrelly
Elizabeth Farrelly


Modelos desnudos, perfectamente camuflados, delante de lugares famosos y cubiertos con pintura
30 de Octubre del 2016
La artista de Nueva York Trina Merry líneas de sus sujetos y fotografías hasta ellos, ya que parezca que se funden a la derecha en el paisaje que les rodea
Estas fotografías muestran imponentes modelos desnudos perfectamente camuflados contra un telón de fondo de los lugares famosos mientras usa un poco más de una capa de BodyPaint.
Una pareja desnuda abrazan apasionadamente en los jardines bien cuidados de la Casa Blanca en Washington DC

Una mujer se convierte en uno con la naturaleza mientras posa en el sitio del patrimonio mundial de la UNESCO Calzada de los Gigantes en Buhmills, Irlanda 
La artista de Nueva York Trina Merry, que se especializa en pintura corporal, la somete líneas y los fotografía, ya que parezca que se funden a la derecha en el paisaje que les rodea.
Un modelo masculino se integra perfectamente en el cielo azul brillante y las arenas de oro mientras posa delante de las pirámides de Giza
Los telones de fondo a su arte llamativo incluyen la Casa Blanca, Torre de la Libertad, la estación Grand Central, el puente Golden Gate, y Causeway incluso del gigante de Irlanda.
Pintando sus temas en un fondo moderno, Trina está poniendo un toque moderno en la forma de arte más antigua conocida por el hombre.
Un hombre parece que está hecho de piedra mientras se funde con la famosa Galata de Estambul Towar
Trina dijo: "Pinto en las personas y, con mucho cuidado, fotografío usando perspectiva punta photography solo. Esto crea una ilusión hiperrealista que está completamente integrada en su entorno.
Los pasajeros no se inmutó por una mujer como ella arquea su cuerpo para fundirse en los azulejos amarillos y tren en movimiento durante la hora punta en el metro cuadrado de la unión 5 en Manhattan

Un par de disfrutar de un momento íntimo delante de la muestra AMOR de Nueva York

Tres mujeres se funden en el puente Golden Gate y sus alrededores en California, EE.UU.
"Bodypaint es la forma de arte más viejo que nosotros sepamos, anterior a las pinturas rupestres.
"Me fascina cómo se utilizaron estas marcas indígenas para identificar las etapas de la vida, rango dentro de una tribu y una distinción entre las tribus."
Ella añadió: "Tenemos un comportamiento muy similar en las sociedades contemporáneas a través de consumo, la moda, los coches que conducimos y casas que compran para representar el estado.
Un modelo de mujer coloca su brazo sobre su pecho mientras se funde con el paisaje increíble en Lake Tahoe, Estados Unidos
"Sin embargo, mientras que las tribus indígenas aceptan y abrazan al individuo como parte de su comunidad, conociendo por su nombre, en nuestra cultura contemporánea, nuestra individualidad se pierde y nuestras marcas '' solamente homogeneizar.
"Nunca me he sentido más solo y disponible que cuando vivía en Nueva York. Se siente como si pudiera desaparecer y nadie lo sabría.
"Mi trabajo demuestra que la experiencia. Utiliza marcar el cuerpo para mostrar lo que ponemos en nuestros cuerpos para identificarnos dentro de una "tribu" realmente causan que desaparezcamos.
"La pintura sobre el cuerpo también crea una conexión especial con una persona que otras formas de artes visuales tienen problemas para llevar a cabo. Es una experiencia claramente humana”.
Trabajando rápidamente, por lo general toma Trina entre una y tres horas para pintar una persona.
Sin embargo, el trabajo requiere someter a permanecer completamente inmóvil. Puede ser una prueba de resistencia.
Trina dijo: "arte de acción duracional requiere entrenamiento, tanto del cuerpo y de la mente. Entrenamos, meditamos, nos comunicamos y confiamos el uno al otro”.
Tomando el arte en espacios públicos significa que el trabajo de Trina, así como sus temas, son inmediatamente expuestos a la opinión de la gente.
Ella dijo: "La gente lo aman, odian, piensan que soy un genio, que no lo entienden y hacen preguntas, que tienen miedo de la desnudez, que abrazan el cuerpo humano y complementan los modelos de su belleza y valentía.
Por Sarah Barns



Serge Marshennikov pintor hiperrealista que honra la belleza del cuerpo femenino
22 de Mayo del 2015
Los delicados retratos al óleo del artista Serge Marshennikov honran la belleza inherente de la forma femenina. Combinando las técnicas hiperrealistas con su instinto para transmitir con exactitud la belleza de las mujeres que pinta, Marshennikov se ha hecho un nombre por sí mismo en el mundo del arte.
Reconocido como un consumado pintor contemporáneo, su estilo figurativo se inspira en técnicas derivadas del arte ruso del siglo XIX con el fin de ofrecer un cautivador trabajo final.
El artista ruso lleva creando desde que tiene memoria. Alentado por su madre a perseguir sus deseos artísticos, Marshennikov ha dedicado su vida al desarrollo de sus habilidades como pintor profesional.











 Okrassa: pintar al ser humano
14 de Mayo del 2016
Pintor polaco, Marek Okrassa, cuando vi los últimos días y recuerdo vagamente me recuerda de mis sueños en los amaneceres de la mañana. Un desenfoque,  el recuerdo de un exceso de sueño, '' no voy a recordar, '' una especie de diciendo que no puede salir por unos segundos. Baratijas barridas al subconsciente. Un poco de lujo, sexo, coches, estallar bombillas de flash, las plazas y así sucesivamente.
'' No me importa tus sentimientos, es mejor dar un poco de información acerca de este pintor '' dijo el director, debo dejar esto para por lo menos:
'' Nació en 1975, estudió pintura en el estudio del profesor M.Swieszewski y el dibujo en el taller de Maria Targowska. Okrassa dos veces fue galardonado con una subvención del Ministerio de cultura y artes y en 1999 se graduó de la Academia de Bellas Artes, un premio especial. Fue galardonado con la espuela de plata en el año 2000 y recibió una mención honorífica de la Fundación de Franciszka Eibisch en 2004 en el Museo Nacional de Varsovia. "¿Es posible para una pintura que al mismo tiempo un análisis sociológico profundo del ser humano y una compleja metáfora poética? Resulta que sí, de hecho.
Marek Okrassa busca inspiración para su arte visitando playas concurridas, cafés y parques de atracciones. Observa diferentes tipos humanos y trata de seguir los patrones típicos de comportamiento. Se realizan numerosos bocetos, dibujos y notas, de la cual emerge una complicada red de relaciones interhumana. Gente se desplaza en lugares públicos como si fueran partículas libres, pero el pintor, ser un observador agudo, recuerda alguna lógica fuera del caos de la vida urbana. Okrassa está fascinado con los aspectos ocultos de la vida de un hombre común. Es la manera de cómo este mundo anónimo se convierte en concreto, conocido y aceptable. Tal vez es una forma personal dice sí con la realidad, de traducir el nuevo en un espectáculo artístico completo. Se trata de la creación simultánea de un fresco sociológico complejo y una imagen metafórica de la realidad. El mundo de los cuadros de Marek Okrassa, por el talento y la narración inteligente, puede decirnos mucho sobre el hombre."


Emer O’Toole: el arte de estar desnuda 
16 de Abril del 2016                                                              





 
Emer O ´Toole 
                                                                             









Camilla Cannon                  

Después que su vello axilar, el de Emer O´Toole, causara  revuelo en la televisión nacional, la escritora pidió a la pintora posar desnuda para ella. La experiencia le llevó a preguntarse por qué seguimos siendo tan tímidos acerca de la forma humana desnuda
Emer O'Toole pintada por Camilla Cannon. Fotografía: Cortesía de Emer o ' Toole
Hacia el final de un período extraño de mi vida cuando era famosa por tener las axilas peludas, me puse en contacto con la pintora Camilla Cannon para preguntarle si estaba de acuerdo en hacerme una pintura al óleo, completamente desnuda.
Camilla, que dirige su propia escuela de arte, estaba entonces en el último año de su grado en la Heatherley School de Bellas Artes de Londres. Quería pintarme para su fin de curso.
Debido a la fama anterior de mis axilas, después de su aparición  en 2012 en ITV's, quería hablar con ella del retrato y mi vello, ya que había tenido ofertas para colaborar en docenas de proyectos: todo, desde escribir un libro para niños, el aseo femenino, un kit para el deporte, etc. Sobre todos dije que no. Los niños deben leer sobre dragones, hadas, furgonetas de helados y  no deben  escuchar las nefastas maquinaciones del capital global en cuerpos femeninos. Y si quería una carga de adolescentes riéndose de mis tetas, simplemente hop en mi tiempo-viajar-helado van y ajuste el disco en "la adolescencia".

Olympia de Édouard Manet
‘Las pocas pinceladas más oscuras debajo de los brazos de la Olimpia de Manet han sido interpretadas como, si no bastante pelo de axila, barba por lo menos femenina.' Foto: Corbis
Pero la idea de Camila era más de mi estilo. Quería pintar un tema tradicional en un medio tradicional, pero incluyendo algo que sigue  borrándose en el arte occidental: el pelo de cuerpo de la mujer. Como alguien propenso a desconcierto por el hecho de que las señoras pintadas, están son vello, como hamsters bebés, incluso en el arte en épocas cuando las mujeres no se depilaban.
Sin duda, La Maja Desnuda de Goya tiene un toque seductor de vello púbico, L'Origine du Monde de Courbet es una explosión de bush y las pocas pinceladas más oscuras debajo de los brazos de la Olimpia de Manet han sido interpretadas como, si no bastante pelo de axila, barba por lo menos femenina. En general, sin embargo, nuestros museos y galerías están llenos de mujeres que han sido depiladas. Así que le dije que sí.
Me siento cómoda estando desnuda. Atribuyo esto a mi madre, que no cree necesario vestirse completamente en un entorno doméstico y si sólo si pueden llegar visitantes masculinos. Ella responderá con alegría la puerta a sus amigas en bragas y sujetador. Una vez, uno de mis ex novios, que vivió con ella durante dos meses después de que regresamos del viaje, me confeso, "la primera vez que ví a tu madre desnuda, fue raro. Y la segunda vez, fue extraño. Pero ahora, no es raro incluso, que es realmente extraño." Todo lo cual hace que su sonido como una especie de hippy de amor libre, diosa de la tierra. Ella no es. Ella es uno de esa raza de práctico, razonable finca irlandeses de las mujeres que piensa remilgos sobre cuerpos son absurdo. ¿Desde luego, no todos tenemos bits?
Estas credenciales genéticas, combinadas con el hecho de que, a diferencia de mamá, soy un poco hippy, han promovido una fuerte predilección para proyectos de arte desnudo. Cuando Spencer Tunick vino a Dublín en busca de voluntarios participar en una sesión de fotos desnuda total, he firmado hasta el momento que podría convencer a un amigo a compinche para arriba.
Spencer Tunick desnuda proyecto Dublín 2008
Masa desnuda sesión de fotos de Spencer Tunick en Dublín en 2008 fue demasiado tentadora para O'Toole resistir: ella firmó para arriba tan pronto convenció a un amigo a unirse, también. Foto: Niall Carson/PA
Una Navidad, le pregunté a un socio que me dibujara en el nip como regalo. Pensé que podría ser sexy, como Rose y Jack en Titanic. "Te pintaré como una de las niñas francesas," suspiro iniciando dos horas de picantes contactos visuales y tensión sexual.
En la actualidad, para una vida de dibujo es sexy sólo si tienes un fetiche de Euclid. Imagina alguien que escudriña a usted durante dos horas como si fuera una desconcertante serie de círculos, triángulos y líneas geométricas. Me quedé dormida. Cuando me desperté, mi ex estaba murmurando acerca de escorzo y dando la impresión de que mi cuerpo desnudo era lo último que cualquier persona querría mirar nunca más. El dibujo es precioso, aunque. Está colgada en mi salón. De vez en cuando, alguno se preguntará, "Es usted?" Refugiarse en la ambigüedad y la respuesta, "lo hace parecerse a mí?"
El estudio de Camilla estaba en su casa en Brixton, Londres del sur. Me saludó desde la puerta, abierta de una manera fácil. Subimos por la estrecha y chirriante escalera a una habitación de ático luminoso, rayos de una claraboya cayendo a través de tablas desnudas del suelo, un sofá para el tema, un caballete para el artista, y todo el lugar repleta de lienzos coloridos.
—'¿Viste mi foto desnuda en Internet?'— Se la pedí a un amigo.
—Blush'—, me respondió
Interrogada Camila acerca de lo que es para un pintor una mujer desnuda, al parecer, se siente muy bien. Cuando empezó le preocupaba que mostraría su mirada y fue, sin quererlo, lo que la decanto en la senda de idealizar desnudos femeninos, jóvenes, blanco, delgados, atractivos. Es algo que continúa hoy en día. En ello se basó para pintar a la feminista peluda y desnuda. También le gusta pintar a mujeres en poses de encendido; ella ha pintado a su hermana en una posición de "hombre-que se separa", sin pedir disculpas que ocupan espacio, la altura de sus codos y arrogante, las piernas hechas pivotar abiertas. Y Camila se siente, nada equilibra la balanza absolutamente tan satisfactoriamente como los hombres hermosos, desnudos, pintados por mujeres.
Habiéndome recostado cómodamente en el sofá y con el cuerpo dispuesto bajo su dirección, dormitaba y escuchaba la radio. Es muy relajante saber que no tienes nada que hacer durante cuatro horas. Ayuda pensar que Camilla esta al otro extremo del pincel. Ella me modela a su antojo. En cierta ocasión, en la que tenia una clase de arte con alumnos de mas de 65 años en un centro comunitario, me lleno la sala con sus alumnos y me hizo posar ante ellos, eso si, púdicamente vestida.
Tomábamos un descanso a la mitad para el almuerzo. Le dije a Camila que me sorprendió cuan relajada me sentía y le pregunté si había tenido modelos torpes o inseguros en otras sesiones. Realmente no. Trataba de buscar modelos que se sintieran cómodas en sus cuerpos. Había un amigo, sin embargo, que admitió, después de la sesión de trabajo duro, que le había costado mantenerse entero ante la serie de pensamientos que se le vinieron a la cabeza.
Camila me cuenta que tiene claramente diferenciados la desnudez y el sexo. Automáticamente no sexualizo los cuerpos desnudos de otras personas
En su estudio y durante el posado, pensé en la relación entre desnudez y sexualidad. Tal vez debido a mi familia, o tal vez porque he pasado gran parte de mi vida adulta en los alrededores del teatro, donde la gente nunca es más feliz que al quitarse la ropa, tengo más o menos separaron desnudez y el sexo. No suelo sexualizar los cuerpos desnudos de otras personas, y no siento que me estoy comportando de una manera sexual sólo en virtud de estar desnuda. Si propongo a mi pareja que tenemos un concurso de hula-hooping desnudos, es porque creo que va a ser divertido, no sexy. Si fuese socialmente aceptable proponer competencias de hula-hooping desnudos a todos mis amigos, sin duda me gustaría. Aún así, fue bueno saber que Camila no había notado de cualquier cambio apreciable en mi manera de presentarme desnuda ante ella.
"De pie", exclamo con confianza unas horas más tarde. "Eso es todo. Hecho". Me levanté de mi semi letargo,  me coloqué detrás de ella y miré mi cuerpo, mi cara, traducido a través de la percepción de otra persona. Fue inesperado, incluso sorprendente. Es un placer tenerte pintada, dijo, eres muy hermosa.

La Maja Desnuda de Francisco José de Goya y Lucientes  1797-1800
'La Maja Desnuda de Goya tiene un toque seductor de vello púbico, pero museos y galerías están llenas de mujeres depiladas. Fotografía: La Galería colección/Corbis 
El retrato de “La feminista peluda”, obtuvo el primer lugar en la graduación de Camilla y pasó a formar parte de la exposición de la Real Sociedad de pintores de retratos en centro comercial galerías Londres, donde recibió una mención de la RSPP. Alastair Damas, el entonces Presidente de la sociedad, dijo del retrato que encontró en el su "lenguaje de la pintura" que es la parte más académica, establecida en los modos de la pintura. Los jueces no mencionan mis axilas impresionantes pero, en medio de un mar de suave desnudos femeninos, estoy seguro que les notaron.
En su libro de memorias, “Bossypants”, Tina Fey dice que tiene objeciones feministas a Photoshop, porque todo el mundo sabe que es falso, y que estéticamente es alterar nuestro cuerpo, cosa que solo realizan los seres humanos. Si vas a estar enojada con Photoshop, dice, también hay que estarlo con los pendientes, por decir algo, y con cualquier retrato al óleo, acuarela o carboncillo, porque nadie es capaz de captarte como realmente eres o como te ve la gente.
Fey, todos sabemos, es divertida como el infierno. Y también consciente de sí misma: admite que, en general, se reclaman las credenciales feministas por cualquier cosa que el ordenador mejore o empeore. Pero su defensa del Photoshop es objetivamente mala.
Hay una plétora de estudios sobre las imágenes idealizadas en revista con una baja autoestima hacia las féminas que representan. Oh, la vida sería mucho más simple si no afectara la cultura consumista  a nuestros pensamientos, creencias y comportamientos. La propaganda sería impotente. Colapsaría la industria publicitaria.
Pintado es un poco como ser retocado. Excepto que no borrar o mejorar los bits de tu cuerpo, como intenta enseñarnos nuestra cultura, es demasiado.
Por el contrario, el eres arte y arte es hermoso. Y si un artista, como Camilla, elige a sujetos que activamente desafían la belleza y las normas de género, es su trabajo quien tiene el potencial para redefinir estas cosas – para que sean más inclusivas, más diversa, más feminista —.
Después de nuestro éxito, Camilla ha publicada un complemento del retrato para Facebook y me ha etiquetada. "¿Ves mi imagen desnuda en Internet? Pregunté a un amigo. "Me hizo ruborizarse", respondió.
Alguien, de un temperamento menos tímido también la vio y me preguntó si, como feminista, me sentía liberada  del modelo y si me sentía fortalecida por los resultados. Tuve que decir que no. No me malinterpreten: yo creo que el arte de Camila está haciendo un trabajo feminista, sin embargo, si usted, como yo, ya está en el punto donde intenta convencer a su entorno, entonces ellos, probablemente, no necesiten ser liberados cuando se trata del tema de la desnudez. Una posterior liberación podría conducir a errores de bulto y eso sería contraproducente.
Hablando sólo por mí misma – sin asociar la sensación de lo bello y lo poderoso —esto puede ser debido a las épocas de mi vida en las que tenía más, o mejor dicho, otra confianza, tiempos cuando yo no estaba realmente segura de todo. Me siento agradecida  profundamente a mi educación, mi trabajo como escritora y el amor a la vida. —Por sacar mis tetas en público, no es tanto—.
El que me pintaran, sin embargo, fue divertido y agradable. Y eso está bien. Estoy segura de que me permiten hacer cosas con mi cuerpo porque son divertidas y por tanto estoy profundamente agradecida. Y ahora, si me perdonan, tengo un concurso para ganar de hula-hooping desnuda antes de acostarme.
http://www.theguardian.com/artanddesign/2016/jan/02/nudes-art-painting-manet-goya-spencer-tunick-emer-otoole-women


Diez ejemplos de erotismo en el arte occidental
21 de Marzo el 2016
El erotismo ha estado presente a lo largo de la Historia del Arte occidental representando el deseo a través de un juego que se ha movido entre ocultar o mostrar, insinuar o exhibir, hasta ganarle la guerra al aburrido pudor.
En la Antigüedad se representaba el placer sin el más mínimo signo de mala conciencia, separando la idea y la materia, el cuerpo y el espíritu; con la presencia del cristianismo, esta separación se llevó al límite haciendo recaer el sentimiento de pecado sobre el deseo carnal. Las imágenes que nos ha dejado el arte sobre el tema, han pasado de las explícitas pinturas griegas conservadas en sus cerámicas, o la exaltación de las idealizadas bellezas de las diosas griegas y romanas, para arrástranos después hacia la culpa cuando en el medievo subían los capiteles considerados indecentes a las partes más altas de los templos, sólo al alcance de los privilegiados, capaces de resistir la tentación.
El Renacimiento permitió disfrutar de señoras de senos exultantes, y la Ilustración nos regaló grabados con auténticas obscenidades.
En la retorcida represión victoriana, los artistas tuvieron que aplicarse con imaginación para dar rienda suelta a las imágenes de sus instintos. La libertad de la líbido en los alegres años 20 dejó paso a miradas inquietantes como la de Balthus, metidos ya en la mitad del siglo XX.
Pero precisamente en los momentos de mayor dureza contra la representación de la sexualidad, es cuando surge como respuesta un estimulante efecto que hace brillar la imaginación de los autores. Un derroche de imaginación que utiliza la mitología, se apoya en la iconografía, o en sutiles encuadres de objetos que dirigen intencionadamente la mirada del espectador al lugar de la provocación oculta. Y aunque miran poco a la Biblia, también han dado mucho juego erótico, Susana o María Magdalena, entre otras.
Durante el barroco y el romanticismo, mujeres envueltas en metros y metros de tela, dejan escapar la voluptuosidad de sus senos por los espléndidos escotes, y a veces sin enseñar nada, el artista consigue desasosegar al espectador como demuestra Fragonat en su célebre obra El Columpio.
El deseo sexual en el arte, se ha visto durante muchos siglos desde el punto de vista masculino, siendo el foco principal de las miradas el cuerpo de la mujer. Hubo que esperar a Tamara Lempicka para ver una autora alejada de la más estricta castidad, aunque los cuadros más sexuales realizados por una mujer son a nuestro entender los de Georgia O´Keeffe, a pesar de que ella insistió siempre en que no era esa su voluntad, la
1.-La Venus de Itálica. S.II a.C. Mármol de Paros.
En el Museo Arqueológico de Sevilla podemos admirar a Venus, la culpable de todo. Esta escultura fue encontrada en 1940 en una casa de Itálica (localidad cercana a Sevilla).
Los poetas fueron los primeros que le dieron sentido a esta Venus sin cabeza:
¡Descabezada Dea¡ porque no estás turbada por el vil pensamiento, serás la pura Norma. (Agustín de Foxá).
Está desnuda por que el artista la realizó en la Baetica, cuya cultura nace en una clara relación con oriente, como la Venus de Cnido, y por ello el desnudo esta visto desde un sentido ideal de pureza y belleza originaria, y de Verdad artística.
Venus de Itálica.
Pero el poema de Foxá puede tener otra interpretación: Una espléndida figura femenina sin posibilidad de pensamiento, todas sus maldades eliminadas por la pérdida de su cabeza. ¿El triunfo de la virtud sobre la terrible Lilith? -Diosa oriental malvada portadora de seducción que ha perseguido a los hombres infiltrada en el arte occidental-. Posiblemente no, porque para los hombres que temieron el poder de la bella de cabellos largos hay en esta imagen suficientes motivos de seducción.
Su poder sigue presente en toda su geografía marmórea, aunque sólo podamos intuir apenas, el final de unos mechones de su hermosa cabellera suelta cayendo por sus hombros.
2.-Eva de Autún. Maestro Gislebertus.
Durante toda la Edad Media vemos representaciones en las iglesias referentes al tema de la sexualidad. Las más explícitas generalmente alejadas de los ojos del fiel, en los canecillos, o en los capiteles, a no ser que interesara avisarle de la tentación y las consecuencias de caer en el pecado como en esta conseguidísima Eva del maestro Gislebertus en la portada del Juicio Final de la Iglesia de San Lázaro de Autun, fechada en 1130. Hoy se puede ver en el Musèe Rolin.En un brillante ejercicio de adaptación al marco (formaba parte del dintel), el autor consigue dotar de un sinuoso movimiento a la figura.
Sensual e indiferente ante su castigo -lleva arrodillada unos siglos fuera del paraíso perdido- Eva acerca su mano a la boca, y susurra los placeres del pecado a quienes accedan al templo, mientras les ofrece la fruta de la tentación.
Eva de Autún.
3.-Hermafrodito y la ninfa Salmacis. Bartholomeus Spranger.
En el Museo de Arte de Viena encontramos este ejemplo de representación del deseo femenino desde el punto de vista femenino, aunque fue pintado por un hombre.
La originalidad de Spranger que firma la obra en 1581, para representar esta escena, no tiene precedentes ni continuadores. La ninfa Salmacis se está comiendo literalmente con los ojos a Hermafrodito. El autor nos convierte en voyeurs, ante esta ardiente y hermosa joven que frente al indiferente y gélido chico, nos hace cómplices de la trampa de esta mujer que envuelta en un deseo sin tapujos, vivo y gozoso acabará venciendo al vanidoso Hermafrodito.
El pasaje mitológico cuenta que esta bella ninfa para satisfacer su deseo paralizó los cuatro miembros del bello joven y sólo dejó movilidad en el miembro restante. El orgasmo le provocó tal entusiasmo que en pleno éxtasis le rogó a los dioses que los dejaran juntos en un sólo cuerpo para la eternidad. Como la petición fue atendida, surgió “hermafrodita”, por derivación del nombre del bellísimo joven.
Las pocas ocasiones que el arte occidental ha mostrado el deseo femenino, lo ha reducido a un momento de locura (Bacantes desatadas), o a una situación de ridículo (José y la mujer de Putifer), o bien a momentos obscenos o a lacrimógenas e impotentes situaciones (Ofelia, Julieta…). Por eso es tan especial esta mirada al deseo femenino.
Salmacis y Afrodita.
4.-La Venus del espejo. Velázquez.
En la National Gallery de Londres encontramos a esta hermosa Venus pintada en 1651, que aparece de espaldas, atrapando la mirada del espectador.
Las sinuosas curvas de esta anónima Venus le sirven a Velázquez para representar a la mitológica diosa del amor en el cuerpo de su amante, y dado que era un hombre casado distorsiona con astucia su rostro jugando al equívoco.
De esta forma el genio sevillano deja abierto el análisis de esta obra, que como todas las suyas ha inspirado muchas páginas.
Si el rostro apareciera con nitidez, rompería el equilibrio del cuadro, que respira una atmósfera nebulosa en la que queda reforzado con toda claridad el ondulante cuerpo de la misteriosa dama. Los pinceles de Velázquez nos están diciendo que todo el poder de la diosa reside precisamente en la suave extensión de su pálida piel.
La Venus del espejo. Velázquez.
5.-Susana y los viejos. José Ribera.
Una escena inspirada en la historia bíblica del libro de Daniel, que bajo el pretexto de ensalzar la virtud, sirvió de excusa a muchos pintores en los tiempos de la Contrarreforma, para dejar en sus lienzos espléndidos desnudos femeninos, como éste que vemos del “conflictivo” pintor valenciano que tuvo que huir a Nápoles perseguido por la justicia española.
Es un extraordinario ejemplo del tenebrismo barroco, realizado en 1615, que insiste en mostrar el cuerpo de la mujer como motivo de pecado, aquí una mujer casta que no cede a los propósitos de estos dos viejos verdes, que por cierto son dos ilustres jueces, y que a punto estuvo de morir lapidada por no acceder a sus deseos. Entre Susana y los lascivos jueces, Ribera representa un sátiro, que es aquí la imagen de la lujuria. Con el magistral manejo de luces y sombras, volvemos a tener ante nosotros un cuerpo tan blanco que nos recuerda a la marmórea sensualidad de nuestra Venus de Itálica.
Susana y los viejos. José Ribera.
6.-Sol ardiente de junio. Frederic Leighton.
Esta magnífica Venus, es obra de Lord Frederick Leighton, pintada en plena era Victoriana, el maestro inglés cuya historia podemos seguir en su Casa-Museo se inspira en los patrones estéticos griegos, y convierte a la diosa del placer en un símbolo lleno de lirismo.
A pesar de que no vemos a penas la piel de esta hermosa mujer abandonada en los brazos de Morfeo, todo en ella es pura sensualidad. Leigthon la envuelve en transparentes velos, de influencia oriental y la acomoda en una postura casi imposible, enredando sus miembros en un escorzo que deja entrever parte de la voluptuosa belleza clásica de este cuerpo, relajado a pesar de la sinuosa composición.
El cálido colorido de la obra invita a pensar en un país caribeño, pero Leigthon lo pintó en Londres. Sin embargo, este cuadro que fue subastado en 1940 por sólo 140$, viajó a Puerto Rico de la mano Luis A. Ferré, que lo encontró olvidado en un rincón de una galería de Ámsterdam, pagó por él 6000$, hoy vale millones y para admirarlo hay que visitar el Museo de Arte de Ponce fundado por Ferré. Todo un viaje el de esta Venus ¿verdad?
La luz dorada remite a una hora avanzada de la siesta en el momento de una ardiente puesta de sol, con el calor sofocante y húmedo que hace siempre posible el ensueño en los mares del Caribe.
Sol ardiente de junio. Frederic Lord Leighton.
7.-Olimpia. Eduard Manet.
En 1865 Manet presenta en el Salón de París, esta Venus convertida en una descarada prostituta que vive en las salas del Museo D’Orsay de París.
Manet escandalizó a la sociedad parisina del momento con esta obra inspirada en la Venus de Tiziano, que el francés utiliza para presentar un tema contemporáneo.
Retoma el tema de la diosa del amor y lo coloca a nivel humano con toda la frialdad y lo prosaico del mundo de la prostitución. Descalza un pie de la chica, símbolo de la inocencia perdida, le coloca una orquídea en el pelo, considerada afrodisíaca, y sube a su cama a un gato negro, que en contra de la fidelidad que representaría un perro, está relacionado con la promiscuidad y el erotismo.
Olimpia no pone su mano entre las piernas por pudor, es que aún no llegó a un acuerdo con su cliente, que le envía un ramo de flores, como parece ser era la costumbre.
Olimpia. Manet.
8.-Black Irish. Georgia O’Keeffe.
En el O’Keeffe Museum de Santa Fé, hay una amplísima colección de la obra de esta norteamericana, enamorada de los paisajes de Nuevo México.
Toda la obra de O’keeffe es una interpretación exuberante de la realidad. Exuberante por la sensualidad que trasmiten sus lienzos.
Es imposible no ver vaginas en sus acantilados o penes en sus meandros a vista de pájaro. Ella siempre explicó que se limitaba a contemplar la realidad, veía lo bello que hay en ella y lo pintaba.
El iris es una flor muy representada en el arte occidental, utilizada como un símbolo del sufrimiento de la Virgen, es una metáfora pictórica del dolor de una madre.
Pero O’keeffe, en sus sutiles representaciones plasma las felices y bellísimas formas que componen estas flores, en las que no somos los únicos que vemos un clítoris.
Consciente o inconscientemente, el sexo, ambos sexos, aparecen en estos lienzos, a través de los pinceles de una mujer que sólo intenta pintar lo más hermoso de la naturaleza
Irish Negra de Georgia O’Keeffe.
9.-Muchachita de Robert Mapplethorpe
Este es el retrato de una anciana feliz, con una pícara y atractiva sonrisa. Pero ¿que lleva bajo el brazo? ¡vaya¡ ¡un enorme falo¡
La anciana es la famosa escultora Louise Bourgeois, que es además la autora del falo. El fotógrafo, un conocido artista homosexual que ha escandalizado en más de una ocasión a la sociedad norteamericana.
No ha buscado a una chica joven y atractiva, le concede esta especie de triunfo ante el sexo contrario a una mujer mayor, y al presentarla con ese falo “castrado” y humillante, se ríe de la obsesión masculina por centrar su poder en ese lugar de su cuerpo. ¿O no es una burla? Hay algo de la diabólica Lilith en esta imagen, ¿no creen?
Aunque bien podría ser también una declaración de amor, de Louise y de Robert al sexo masculino.
Lo que si parece claro, es que el poder femenino en el mundo de Eros, está presente de una u otra forma a lo largo de toda la Historia del Arte.
Muchachita de Robert Mapplethorpe
10.-Los amantes. René Magritte.
Todo este post habla de erotismo, de diosas del amor, de deseo y pecado, de mito y religión, de hombres y mujeres, pero no hemos hablado de besos.
Este de Magritte, que está en una colección particular, es uno de los besos sobre los que más se ha escrito.
Pintor del movimiento surrealista solía decir que la realidad es tan equívoca, incoherente y abstracta como cualquier pintura
Un beso sin labios, sin miradas, sin piel…entre y vean e interprétenlo.
Los amantes. René Magritte



Las sensuales acuarelas de Steve Hanks
13 de Marzo del 2016
Steve Hanks es merecidamente reconocido por los críticos de arte como uno de los mejores artistas de acuarela de nuestros tiempos. Los detalles, los colores y las emociones de sus trabajos simplemente sorprenden. Steve llama a su estilo «realismo emocional». Muchas veces no muestra los rostros de sus modelos para dejarle espacio a la imaginación del público.
Steve Hanks eligió a las mujeres como el tema principal para sus obras. Y en Genial.guru estamos seguros de que tomó la decisión correcta.
«Las emociones son lo que pinto. El realismo es cómo lo hago».
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«Trato de ser muy responsable y con mis obras añadirle un poco más de imágenes positivas al mundo».

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«Espero que mi trabajo le transmita al público una sensación de confort, placer y comprensión de la vida».

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«La luz del sol es uno de los componentes principales en mis obras. Me fascina cómo afecta la percepción de las cosas, cómo „inunda“el espacio introduciendo el color y transformándolo. Muchas veces mis obras se tratan más de la luz del sol que de cualquier otra cosa».
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Wegner y su esposo y musa, «La chica danesa»
19 de Enero del 2016
Fue una de las principales representantes del llamado art decó danés, aunque por su condición de mujer, sexualidad ambivalente y heterodoxo matrimonio tuvo que desarrollar su carrera en París

Una de las obras de Gerda Wegener expuestas en el Museo de Arken EFEIshoj (Dinamarca)
El Museo de Arken dedica su primera gran retrospectiva a la pintora Gerda Wegener, cuyo esposo y musa Einar (Lili Elbe) fue hace más de 80 años una de las primeras personas en someterse a una operación de cambio de género en el mundo y cuya historia ha rescatado la película «La chica danesa».
El filme, dirigido por Tom Hooper -con cuatro nominaciones al Óscar, entre ellas mejor actor (Eddie Redmayne) y actriz (Alicia Vikander)-, se basa en la novela homónima de David Ebbershoff, inspirada en la historia de Gerda y Lili, protagonistas de una relación artística y afectiva que centra buena parte de la muestra que se podrá ver hasta mayo en este museo al sur de Copenhague.
Gerda Gottlieb (1885-1940), que adquirió el apellido de su marido al casarse con él en 1904, fue uno de los máximos exponentes del art decó danés, pero su condición de mujer, su sexualidad ambivalente y su complejo matrimonio impidieron que alcanzase el mismo estatus en Dinamarca que en París.
Fue en la capital de Francia donde residió varias décadas y desarrolló una exitosa carrera artística como retratista e ilustradora en las principales revistas de moda y en la que desempeñó un papel clave su esposo Einar, a su vez pintor paisajista.
Vestido como mujer, Einar (que luego pasó a llamarse Lili Elbe) ejerció de modelo en decenas de retratos pintados por Gerda, a la vez que en su interior descubría su verdadera identidad, lo que le llevó a someterse a varias operaciones de cambio de sexo a principio de la década de 1930, con el respaldo de su esposa.
«La exposición trata sobre la libertad de ser quien uno es. Fue en los retratos que Gerda Wegener hizo de su pareja transexual en los que Lili Elber encontró su identidad femenina posando como modelo para su esposa», explica en la introducción de la muestra su comisaria, Andrea Rygg Karberg. Einar Wegener se sentía «como un ser humano obligado a llevar un traje que lo constreñía y en el que se sentía ridículo», declaraba en 1931 la propia Lili, que en septiembre de ese año moriría de las complicaciones derivadas de su última operación.
Gerda Wegener la retrató sobre todo en París, pero también durante viajes a Capri (Italia) o en los períodos de vacaciones en la localidad francesa de Beaugency, donde solían veranear a menudo con otros artistas y Lili se hacía pasar muchas veces por su hermana, en obras como en «Un día de verano» o «Junto a las orillas del Loira».
En las decenas de retratos que exhibe Arken, Lili aparece como mujer maquillada, con distintas pelucas, vestidos, guantes o exóticos abanicos, representada con una figura elegante y estilizada y el rostro con frecuencia melancólico.
Esa imagen dulce y más idealizada se contrapone en otras obras con otra más mundana, la de una mujer liberada y consciente que aparece bebiendo alcohol, fumando o jugando a las cartas: ambas fueron instrumentos para poder desarrollar su identidad sexual.
La exposición, que se puede contemplar desde finales del año pasado, recoge también obras de los primeros años de Gerda Wegener en Dinamarca y de su época posterior a la muerte de Lili, cuando se mudó a vivir a Marruecos después de casarse con un italiano.
Allí residió hasta 1936, luego vivió entre Francia e Italia, ya divorciada; y en 1938 regresó a Copenhague, donde falleció en un hospital dos años más tarde, sola y pobre.
La muestra recoge un total de 178 obras, entre pinturas, dibujos e ilustraciones, la mayoría cedidas por coleccionistas privados, ya que ningún museo danés importante adquirió entonces sus obras, al contrario de lo que ocurrió en Francia.
14 de Enero del 2016
Si el crítico de arte Charles Baudelaire (1821-1867) levantase la cabeza se sorprendería sobremanera al ver la influencia que la obra de Jean Auguste Dominique Ingres (1780-1867) ha ejercido sobre algunos de los más ilustres representantes de la pintura de la modernidad.
Autorretrato de Ingres
A mediados del siglo XIX pervivían en los salones artísticos las viejas disputas entre antiguos y modernos a través de las diferentes corrientes estéticas ahora centradas en lo clásico y lo romántico, tomando como principales exponentes de las mismas a Ingres y Delacroix, enfrentados bajo la bandera del gusto por la tradición o la exaltación creativa. Algunos escritores como Flaubert, Zola, Mallarmé o Thoré parecían saber de qué iba el arte moderno, aquél que se nutría de su propio pasado para construir una imagen con inéditas formas expresivas y nuevos valores artísticos. Baudelaire tomó partido por el romanticismo de Eugène Delacroix (1798-1863) símbolo de un estilo indisciplinado y rebelde, convirtiéndole en el origen de su teoría artística que plasmó en El pintor de la vida moderna de 1863, cuyo ideal estético era la libre visión individual del artista a través de un lenguaje actual, adaptado a una nueva época y sin carácter de eternidad. Rechazaba por tanto el estilo de Ingres que se ajustaba más a las tradicionales enseñanzas académicas y los modelos del pasado.
Distanciados de esa controversia y con la perspectiva que da el paso del tiempo, no parece que los pintores del siglo XX olvidaran las innegables destrezas y aportaciones de Ingres a la pintura universal e hicieran de ellas emblema para realizar algunas de las obras más significativas de la pintura contemporánea. Cabría preguntarse entonces ¿Qué vieron estos jóvenes artistas en el arte de Ingres? ¿Por qué encontraron tanta inspiración en sus temáticas y estilo?, parece indudable que lo clásico y lo moderno estaban llamados a entenderse a través de la constante transformación y fue inevitable que lo nuevo conviviera con valores ya establecidos.
Esta pervivencia del ideal clásico renovado de Ingres se puede rastrear en muchas manifestaciones artísticas del siglo XX, lo supieron ver muy bien los pintores modernos que vinieron después como Édouard Manet, Edgar Degas, Auguste Renoir, Henri Toulouse-Lautrec Paul Gauguin, y vanguardistas como Henri Matisse, Pablo Picasso, Amedeo Modigliani, Chaïm Soutine, Moïse Kisling, Man Ray, Salvador Dalí, Magritte y una interminable lista de creadores que llegaría hasta nuestros días.
Ingres se había sentido fascinado por las armonías ideales y las superficies abstractas de Rafael y David en sus cuadros de tema histórico, pero seducido por el “style troubadour” de su época consiguió también aportar un aire insólito y curioso a sus obras que evocaban un pasado no clásico. La disciplina y perfección de la que hacía gala no impidió un tratamiento lineal de la figura femenina, haciéndola doblarse y retorcerse para conjugar perfectamente lo estético y lo erótico. Su concepto de la mujer abarcó muchos campos, tanto el clásico aspecto de la ninfa Tetis, como el motivo exótico de la bañistas y odaliscas de Oriente Próximo.
La bañista de Valpinçon
La bañista de Valpinçon
El baño
Una de las obras más célebres de Ingres en este género fue La bañista de Valpinçon (1808), en la que su maestría en la interpretación del desnudo al natural y su seguridad técnica no empañan el aire de novedad exótica que infiere a la figura ataviada con un turbante moruno cubriendo sus cabellos y en la originalidad de la pose y el atrayente punto de vista que aporta a la modelo. Primicias que no pasaron desapercibidas para los artistas de la modernidad. Despertó en Degas el interés por tratar la desnudo femenino a través de la temática de las “toilettes”, mujeres en la intimidad de su aseo personal, desprovistas de idealización mitológica, potenciadas por el estudio postural y las técnicas impresionistas. Testigo que tomará Toulouse-Lautrec, el pintor de la vida nocturna y los bajos fondos, en obras como El baño (1892), aportando la singular elección de tomar como modelo a una prostituta. Cien años después una fotografía de Man Ray titulada el El violín de Ingres (1924), convierte las sensuales curvas de Kiki de Montparnasse en un instrumento de cuerda, insinuado por las dos aberturas con forma de efes, convirtiendo el cuerpo de la joven en un sonoro instrumento, creando asociaciones inéditas tan presentes en la estética surrealista. Man Ray evoca la bañista de Ingres a través de la referencia al turbante y la posición de espaldas de la modelo, y alude a la afición musical del pintor por el violín, ahora convertido en una alegoría del juego amoroso. Dalí siempre admiró la autoridad técnica de Ingres, su destreza con el dibujo y la línea, es fácil comprender por qué se convirtió en referencia para muchos de los desnudos en los que posó la omnipresente Gala.
El violin de Ingres
La gran Odalisca
En La gran Odalisca (1814) vuelve a demostrar el apego por el desnudo femenino unido a lo exótico y lo oriental. Una mujer de extraordinaria belleza resuelta con un pronunciado escorzo, sin olvidar el exquisito gusto por los detalles de todos los elementos que rodean a la figura: las telas, el cortinaje, los almohadones o el abanico. La libertad alegórica de Ingres evoluciona hacia un exotismo despreocupado y lejano. La enorme influencia que tuvo esta imagen en los artistas del siglo XX se puede constatar desde los inicios del impresionismo.
La gran Odalisca Jean-Auguste Dominique Ingres
París, Musée du Louvre, département des Peintures, Acquis en 1899
Manet sufriría el desdén de la crítica y el público por su Olympia (1863) en la que al igual que Ingres destaca desde el punto de vista técnico por la delicadeza y firmeza del dibujo, los finos contrastes cromáticos, la ambientación lumínica, pero dota al desnudo de total ausencia de idealización y desafía con su desnudez los convencionalismos burgueses. Gauguin comprendió la fuerza plástica de Ingres y la extrañeza en sus desnudos de espaldas así como su primitivismo y utilizó estas poses en muchas de sus obras.
Matisse hizo de las Odaliscas una de sus recurrentes temáticas, fascinado por los ambientes fabulosos, ricas telas, muebles exquisitos, encontrando en las estridencias cromáticas del fauvismo el estilo para plasmarlas. Pero quien sin duda fue a contracorriente recuperando los desnudos de la tradición clásica para la modernidad de los años veinte fue Modigliani, que interpretó desprovisto de todo aditamento, un nuevo concepto creativo para la desnudez. En su obra Desnudo echado sobre el costado izquierdo (1917), el dibujo y la silueta un tanto ingrescas no evitan la deformación primitivista del cuerpo, el fondo cromático alcanza una gran autonomía moderna, una elevada abstracción.
Siendo ya director de la Academia Francesa de Pintura realizó El baño turco (1862), considerada hoy en día como una de sus obras maestras, se incluye dentro de la tendencia orientalista del autor, en la que la sensualidad femenina y el tono erotizado de la misma alcanzarán altas cotas de seducción. Mostrada al público por primera vez en el Salón de Otoño de 1905 entusiasmó a muchos pintores de vanguardia, entre ellos a aquellos jóvenes “salvajes”, luego conocidos como fauvistas, reagrupados en la sala VII, por sus exuberantes y coloristas pinturas. También marcó a Picasso cuya influencia se vio pronto reflejada en las poses y contorsiones rosadas de las mujeres de El harén (1906), sin embargo Picasso abandona la sensualidad y suntuosidad de los cuerpos para transmitir un ambiente sórdido, que derivará en su celebérrima obra Las señoritas de Avignon (1907), en la que a partir del tema clásico del desnudo consigue abordar un nutrido inventario de problemas formales del arte contemporáneo que derivarán en el cubismo. Las visitas de Pablo Picasso al museo Ingres de Montauban, se dejaron sentir en el influjo de aquel sobre los retratos que el artista malagueño realizó en su dilatada carrera, encontrar relaciones entre Madame Rivière de Ingres (1805-06) y Olga en el sillón de Picasso (1917-18), o el Retrato de Madame Moitessier (1856) y Mujer con libro (1932) nos hablan de las excelentes dotes de ambos como dibujantes y de sus cualidades para el retrato, así como la teatralidad y solemnidad del gesto de Ingres y la capacidad para alterar las reglas de Picasso.
El baño turco
Ingres, considerado tradicionalmente como un artista académico y conservador, símbolo de pintura espléndida y refinada, volvió a la pintura vanguardista de la mano de los artistas que configuraron la modernidad. Tras su muerte, su obra y reputación generó un fructífero diálogo con los jóvenes pintores que abrieron nuevos caminos al arte. Las conexiones con fuentes no occidentales en el arte europeo, el valor de la pintura a través del dibujo y la línea o la reinterpretación de su ideal clásico de una manera más libre y crítica con la tradición, han colocado a Ingres como uno de los grandes influjos del arte contemporáneo.
Violeta Izquierdo | @artesigloxx

Anatomía de Ingres     
13 de Noviembre del 2013
Su «Gran Odalisca», obra maestra del Louvre, ya cuelga en el Prado. Habrá que esperar hasta el próximo día 24 para admirarla. Estos son los secretos que hacen que esta pintura sea pura sensualidad
«Gran Odalisca», de Ingres - MUSEO DEL LOUVRE
Es la pintura hecha sensualidad: el deseo y el placer salen por cada uno de los poros de este maravilloso lienzo, pintado por Jean-Auguste Dominique Ingres en 1814. Y no solo porque la modelo pose desnuda y vuelva su rostro hacia nosotros con mirada desafiante. Que también. Son muchos los detalles que hacen que este desnudo despierte nuestros sentidos más que «La Venus del espejo», de Velázquez, o «La Venus de Urbino», de Tiziano, los dos mejores desnudos de la Historia del Arte. La «Gran Odalisca», de Ingres, sale excepcionalmente del Louvre (solo lo abandonó en 2003 para una exposición en Roma) y cuelga desde ayer en el Prado. Formará parte de la gran monográfica que el museo dedicará al maestro francés del XIX a partir del día 24 y que concentrará buena parte de sus obras maestras. Está patrocinada por la Fundación AXA, que ayer renovaba por cuatro años más como benefactor del Prado.
El cuadro fue encargado por Caroline Murat, hermana de Napoleón y reina de Nápoles para decorar su palacio 
Carlos G. Navarro, comisario institucional de la muestra, nos desvela los secretos que aportan tal grado de sensualidad a una de las pinturas más icónicas del Louvre, encargada en 1813 por Caroline Murat, hermana de Napoleón, para decorar sus habitaciones privadas en el Palacio Real de Nápoles, donde colgaba junto a otro desnudo, «La bella durmiente», hoy desaparecido. Invitan al placer sensorial «la piel charolada, perfecta, pulida», que Ingres envuelve en distintas telas que evocan lo placentero del tacto: pieles, terciopelos, sedas... También, a través del humo del tabaco y el incienso, representados por la pipa y el incensario, a la derecha de la composición, así como la sensación de que las plumas de pavo real (símbolo de la vanidad) de su abanico acarician su brillante piel. «Ingres establece un equilibrio perfecto entre el deseo platónico de belleza ideal y la carnalidad física, la belleza mortal del cuerpo de la mujer con un juego de líneas y curvas casi musical», advierte el comisario. También, gracias al color (espléndidos azules, amarillos...), la pintura invita al placer.
El lienzo causó un gran escándalo en el Salón de París de 1819 por su desproporción anatómica
Se creía que la modelo del cuadro era la propia Caroline Murat, pero hoy se identifica con Atala, hija del músico Camille-Marie Stamaty. El lienzo, que nunca llegó a pagar la Reina porque huyó precipitadamente de Nápoles, fue recuperado por Ingres y se presentó en el Salón de París de 1819, provocando un gran escándalo en la crítica, no tanto por representar un desnudo sin motivo aparente, sino por su descripción anatómica. Los miembros del cuerpo de la odalisca no eran equivalentes ni proporcionados. Y lo más curioso: la columna tiene tres vértebras de más. Son las llamadas «vértebras Ingres», que algunas feministas se tatúan.
La imperfección de este desnudo quedó zanjada por el Rey Luis XVIII, que quiso adquirirlo sin éxito. Sí compró para Versalles «Angelica rescatada por Ruggiero», que colgará en la muestra frente a la «Gran Odalisca». Ésta ingresó en el Louvre en 1899. En 1907 colgaba junto a la «Olympia», de Manet, otra obra que levantó ampollas en la época por representar desnuda a una prostituta junto a su esclava negra. Los artistas más reivindicativos, como las Guerrilla Girls, se apoderaron de la odalisca de Ingres como un icono moderno del deseo femenino.
http://www.abc.es/cultura/arte/abci-anatomia-ingres-201511112042_noticia.html
NATIVIDAD PULIDO Madrid

La reinvención de la Venus moderna
10 de Noviembre del 2015

Tres espléndidos desnudos femeninos, pintados por Courbet, Modigliani y Freud, salen a subasta en Nueva York, mientras el Prado está listo para recibir a «La Gran Odalisca» de Ingres.
Repasamos la Historia del Arte a través de sus mejores desnudos.

«Desnudo recostado», de Modigliani
En este otoño disfrazado de primavera el mercurio está alcanzando temperaturas impropias de estas fechas. Y, para caldear aún más el ambiente, hoy salen al mercado algunos de los mejores desnudos femeninos, un género que ha dado mucho de sí y que parece inagotable. Tres Olympias modernas serán las estrellas de la venta que la sala Christie’s celebrará hoy en Nueva York bajo el título «La musa del artista».
Destaca, especialmente, «Desnudo recostado», de Modigliani (1917-18). Aunque la firma no da una cifra estimada cuando se trata de grandes piezas («estimate on request», advierten), se cree que su precio podría rondar los 100 millones de dólares. Es una de las obras maestras del pintor italiano, en la que funde idealismo clásico, realismo sensual e invención moderna. Es lo suficientemente realista para seducir, pero también lo suficientemente irreal para ser idealizado. Con esta pintura el artista crea un icono escultórico, sublime, de la mujer.
No es el retrato de una de las musas de Modigliani, sino un hermosísimo himno a la belleza
No es un retrato de alguna de sus musas –la más célebre fue Jeanne Hébuterne, modelo y pareja sentimental del artista, que, tras la muerte de éste, y embarazada de nueve meses, se suicidó tirándose desde la ventana de un quinto piso, sino un hermosísimo himno a la belleza. Pintado entre 1917 y 1918, en plena Guerra Mundial, en su pequeño y mísero taller parisino, pertenece a una serie de desnudos alegres, sensuales, eróticos, con los que Modigliani, el príncipe de Montparnasse, quiso celebrar la vida, pese al drama que se vivía en las calles. Su objetivo era recuperar la belleza en un mundo devastado por la guerra. 
«Desnudo recostado», de Courbet
Sensual carnalidad
Otra estrella de la subasta será «Desnudo recostado» (1862), de Courbet, uno de los más célebres desnudos que el pintor francés realizó entre 1850 y finales de los sesenta. Su precio estimado: 15-25 millones de dólares. Pese a que sus desnudos están a la sombra de las Venus de Giorgione y Tiziano, éstos deificaron a las mujeres, mientras que Courbet las bajó a la tierra. Divinas para unos, terrenales para otros. Courbet pinta el cuerpo femenino tal como lo ve, sin idealizarlo un ápice. La carne pintada por él es real, física, puede palparse... y casi olerse. Su compromiso con la verdad es implacable. Cuando el artista mostró este lienzo en el Salón de París en 1862 duró unos pocos minutos en la pared. Su desafío a los convencionalismos fue demasiado para el París pacato y conservador de la época. Fue un lienzo tan radical como impactante. Lo sería aún más, cuatro años después, su «Origen del mundo»: un pubis en primer plano que escandalizó en su día y aún hoy ruboriza a quienes lo contemplan de cerca en el Museo d’Orsay. Activista político y revolucionario, admirado por colegas como Delacroix, Manet, Van Gogh, Freud..., Courbet no solo pintaba el cuerpo de la mujer en sus lienzos, sino que quería lograr una presencia nunca antes vista en el arte. Trató de derribar viejos muros creando un nuevo lenguaje del desnudo en el arte.
«Desnudo en un sofá rojo», de Lucian Freud
A Modigliani y Courbet se suma Lucian Freud con «Desnudo en un sofá rojo» (1889-91), que parte con un precio estimado de 20-30 millones de dólares. El pintor británico reconoce su deuda con Courbet, pero va un paso más allá volviendo a reinventar el desnudo, como en su día hizo el francés. Así se aprecia en sus descarnados retratos, en los que no hay concesiones. En este caso es un desnudo de su hija Bella, una conocida diseñadora de moda, a los 21 años. El pintor tuvo 14 hijos con sus distintas parejas. Hizo una serie de retratos de sus hijas en la década de los 80. Bella posa en el famoso sofá rojo de su taller, escenario de tantas obras maestras y tantos secretos. Si ese sofá hablara... Cuentan que entre padre e hija, entre artista y musa, hubo una intensa pero frágil relación. La crítica la sitúa como una de las obras más audaces y sensibles, más honestas y personales de Freud, realizada en un momento crucial en su carrera. Sus desnudos tienen, al igual que los de Modigliani, mucho de escultóricos. También sale a subasta en Christie’s otro retrato de Freud, en este caso de Andrew Parker Bowles, exmarido de la Duquesa de Cornualles, con uniforme de brigadier. El récord del artista está en 56 millones de dólares, alcanzados por «Benefits Supervisor Resting».
Una Venus de hace 22.000 años
La Venus de Willendorf-
Ya en la prehistoria, hace 22.000 años, una mujer en pelota picada asombró al mundo. Es la Venus de Willendorf, que luce en el Kunsthistorisches Museum de Viena. A partir de entonces ha sido uno de los temas recurrentes en la Historia del Arte. La Antigüedad clásica, tan hedonista, primero en Grecia y después en Roma, andaba a vueltas con el ideal de belleza: el «Discóbolo» de Mirón, la «Venus» de Milo, el «Apolo Belvedere» o el «Laocoonte» son algunos ejemplos de la perfección corpórea cincelada en bronce o en mármol.
Dependiendo de las épocas, el desnudo en el arte ha ido cambiando su carácter iconográfico. En la Edad Media, por ejemplo, se limitaban a los pasajes bíblicos que lo requirieran: Adán y Eva, la muerte de Cristo... Fue en el Renacimiento cuando retornan los desnudos al arte para narrar escenas mitológicas, religiosas o históricas, inspirándose para ello en modelos clásicos. Y surgen obras maestras como «El nacimiento de Venus», de Botticelli, o la «Venus de Urbino», de Tiziano, uno de los desnudos femeninos más «influyentes» en la Historia del Arte, pues son muchos los artistas que se inspiraron en él para sus creaciones. Si a Leonardo da Vinci le interesaba el cuerpo humano desnudo para sus estudios anatómicos, para Miguel Ángel tenía un carácter más divino.
«Venus del espejo», de Velázquez
Exuberancia barroca
Llegó el Barroco y con él los gabinetes privados donde mecenas y aristócratas admiraban las pinturas de desnudos femeninos como objeto de placer y deseo. Rubens pinta unas mujeres exuberantes, sensuales, rollizas... Como sus «Tres Gracias». La belleza de la época no entiende de celulitis ni de flacidez. Y Velázquez pinta «el trozo de carne más humano de la National Gallery de Londres», según Sorolla. La «Venus del espejo» perteneció al duque de Alba, a Godoy... y, desde hace cien años, a la pinacoteca británica. En 1914 una sufragista le asestó siete puñaladas. La diosa se mira ensimismada ante el espejo tras una noche de pasión con Marte.
«Olympia», de Manet
Goya es el primer artista que desnuda a la mujer real, sin abordar temas mitológicos, religiosos o históricos. Su «Maja» nos mira pícara y descarada y el espectador se torna un voyeur. La pintura moderna y contemporánea no ha sido ni mucho menos ajena al desnudo. Nada fue igual en el arte a partir de las cinco prostitutas desnudas en un burdel que Picasso desestructuró (muchos años antes que Ferran Adrià hiciera lo propio con la tortilla de patatas) en «Las señoritas de Aviñón», un lienzo que rompió con el arte tradicional y dio paso al cubismo. Otra prostituta desnuda, la «Olympia» de Manet, ataviada solo con una orquídea en el pelo, un brazalete y zapato de tacón, es otro de los desnudos que cambió la Historia del Arte. 22.000 años después de la Venus de Willendorf, la fascinación por el desnudo femenino se mantiene intacto.
NATIVIDAD PULIDO Madrid

El fotógrafo del erotismo 'jet set' muestra sus obras  
8 de Noviembre del 2015 
El sudafricano Henrik Purienne se ha convertido en puntal de la fotografía sexy con mujeres preciosas y concepto retro. Esta es su filosofía

Un clásico de Purienne: una chica en un Alfa Romeo de los años setenta. “Los coches son diseño en movimiento”, dice. / Henrik Purienne
Chicas rubias haciendo auto-stop, subiendo a un coche blanco de los años setenta para que las acerque al mar. Chicas con la piel bronceada, paseando sin ropa por el bordillo de la piscina, caminando por playas infinitas. Chicas, chicas, más chicas: el mundo del prestigioso fotógrafo sudafricano Henrik Purienne, de 38 años, gira todo el tiempo alrededor de ellas. “Crecer en Ciudad del Cabo afectó a mi forma de trabajar y de ver la vida: las mujeres, el sol, la playa”, nos cuenta. Sus comienzos no pudieron ser más honestos: “Siempre me gustó hacer fotos de lo que veía. Durante unas vacaciones empecé a retratar a mi novia y así empezó todo”.
“Soy un enamorado de las formas”, afirma el fotógrafo. / Henrik Purienne
Hoy afincado en Los Ángeles, Purienne empuja a sus imágenes hacia un universo paralelo en el que siempre hace calor y siempre estamos en los años setenta. Sus chicas recuerdan con claridad a las de las películas de Eric Rohmer y a las de las páginas de LUI, la revista masculina francesa que hizo época hace 30 años; una versión retro del erotismo que él mismo admite. “No descubrí la obra de otros fotógrafos hasta que ya llevaba unos años trabajando. Pero me estalló la cabeza al dar con revistas como Nova, Cahiers d’art o la propia LUI”. Chicas recibiendo los rayos del sol. Agua fría, bañadores pegados a la piel y hedonismo jet set.
La mujer integrada en el diseño interior: otro de los enfoques de Purienne. / Henrik Purienne
A estas alturas, firmas de moda como American Apparel o Kitsuné ya han recurrido a su particular visión de las mujeres y de la belleza: estampas de chicas medio desnudas, insinuantes, a veces sentadas en sillones de diseño francés o italiano de los años sesenta. La cantante Sky Ferreira en una cama sin hacer. Imágenes sin distancia, fruto de una comunicación fluida entre fotógrafo y modelo.
La mirada cómplice, la ausencia de distancia entre modelo y fotógrafo. / Henrik Purienne
Purienne retrata siempre a modelos que parecen ser sus novias. / Henrik Purienne
Me encantan las marcas blancas del bikini encima de la piel, el olor a crema protectora y a dinero viejo. La sensación de tener todo el tiempo del mundo para no preocuparte por nada”, dice el fotógrafo
“Empecé mi carrera dirigiendo documentales, y he seguido aplicando ese punto de vista a mis fotografías. Procuro que el resultado sea crudo, lo más directo posible”, explica. Su faceta más personal la reserva para la revista anual Mirage, que él mismo edita. Un manifiesto a favor del verano, la nostalgia y el sexo. Hijo no reconocido de Slim Aarons, el fotógrafo que retrató a los guapos y felizmente ociosos de los años sesenta y setenta, Purienne es un apasionado de los espacios, la arquitectura y los objetos. “Extensiones de mi estilo de vida”, señala, y elementos que acompañan en todo momento a las chicas de sus fotografías.
Estampas de unas vacaciones perfectas en perfecta compañía. / Henrik Purienne
Considera que el centro de su trabajo es la historia que cuenta a través de sus imágenes, y tiene muy claras sus preferencias. “Me gustan las chicas fuertes. Chicas que parecen chicos. Me encantan las marcas blancas del bikini encima de la piel, el olor a crema protectora y a dinero viejo. La sensación de tener todo el tiempo del mundo para no preocuparte por nada”. Por supuestísimo. ¿Y a quién no?
Retrato del fotógrafo Henrik Purienne.
Jorge de Cascante 

Aleah Chapin pinta maravillosamente a mujeres mayores desnudas, con las que creció 

3 de Noviembre del 2015


Aleah Chapin ha visto muchas mujeres desnudas. En el último par de años, Aleah estudió arrugas, tatuajes, cicatrices de mastectomía, vello púbico, pechos en período de lactancia y pechos caídos.





El artista estadounidense de 29 años ha generado cierta controversia con sus magníficas pinturas realistas de mujeres mayores desnudas.
Ha realizado el Aunties Project (Proyecto Tías), en el que ha pintado una serie de desnudos gigantes, presentando un grupo de mujeres mayores, las amigas de su madre, con las que "creció " y ha conocido toda su vida.
Una de sus pinturas ganó el prestigioso BP Portrait Award en 2012, la última vez que estuvo en Londres. Mostraba a una mujer de unos sesenta años, sonriendo con sus exagerados pechos descansando sobre su estómago.
El crítico Brian Sewell dijo de su trabajo: "repelente ... un grotesco registro médico" ...

Nosotros admiramos y disfrutamos de su enfoque, sencillamente nos encanta. Y a vosotros, ¿qué opinión os merece su trabajo?













www.culturainquieta.com/es/arte/pintura.html


La prostitución en el arte

25 de Septiembre del 2015

El Museo de Orsay de París revisa en una exposición con más de 200 obras este tema. Se prevé que sea una de las muestras más rentables económicamente de los últimos años.


AFP. En primer plano, una escultura. Al fondo, la célebre «Olimpia», de Manet

El Ministerio de Cultura espera que la exposición «Esplendor y miseria de la prostitución en París, 1850-1910» (Museo de Orsay) sea una de las más «rentables» económicamente de los últimos años, con un previsible récord de visitantes y venta de «productos derivados». Comisariada por Marie Robert e Isolde Pludermacher, conservadoras del Museo de Orsay, y presentada por Richard Thomson, profesor de historia del arte de la Universidad de Edimburgo, «Esplendor y miseria de la prostitución en París» presenta más de doscientas obras de grandes maestros, tratando desde muy diversos ángulos el tema de la prostitución, los prostíbulos y las prostitutas a finales del XIX y el XX, en París.



Tema clásico, de la «Olimpia» de Manet a «Las señoritas de la calle de Avinyó» de Picasso, prostitución, prostíbulos y prostitutas tienen un puesto bien conocido en la historia del arte moderno, bien ilustrado por Toulouse-Lautrec, Degas, Vlaminck, Van Dongen, Renoir, Félicien Rops, Émile Bernard, Gervex… y un larguísimo etcétera. Si la exposición no se detuviese en el umbral de 1910, la relación de artistas que han tratado el tema hubiera podido prolongarse indefinidamente, hasta Francis Bacon y Andy Warhol, entre muchos otros, claro está. 


¿Qué es el arte? Prostitución

Para mejor cubrir la exposición con un delicado prurito «cultural», las comisarias han recurrido a una legendaria cita de Baudelaire, fuera de contexto: «¿Qué es el arte? Prostitución». Baudelaire hacía una crítica radical del mercantilismo rampante y la irrupción de la «industria cultural» en el «mercado del arte». Olvidando tal premisa, esencial, el Ministerio de Cultura y el resto de la burocracia estatal «dieron su bendición» a una exposición que se demora en los meandros «artísticos» de una prostitución convertida en delicado producto expositivo.


Cuando los museos franceses deben «adaptarse» a un recorte significativo de los créditos y subvenciones, el Ministerio de Cultura y el Museo de Orsay confían en un esperado éxito comercial de «Esplendor y miseria de la prostitución en París». El «morbo» real o presumido de las obras de grandes maestros glosando la «lírica» de la prostitución, debiera atraer al gran público cosmopolita. A tal fin, un largo rosario de productos derivados (estampas, recuerdos, almanaques, figurillas, etcétera), permitirán, se espera, multiplicar unos ingresos envidiables en tiempos de crisis.

Objetos de gusto muy diverso



Para hacer más atractivo el tema de fondo, si cabe, los organizadores han completado las obras de arte con objetos de gusto muy diverso, rozando lo peregrino. El visitante podrá descubrir, por ejemplo, un «sillón de amor» donde el Príncipe de Gales, futuro Eduardo VII, rey de Inglaterra, retozaba amorosamente en compañía de dos señoras o señoritas. Con un afán de «fidelidad» se ha reproducido un «salón» y una «habitación» de una profesional que se hacía pagar al precio más alto recibía a una clientela adinerada. La inmortal «Olimpia» de Manet está «acompañada» de una colección de películas y fotografías pornográficas de la época. 



En el capítulo de la foto porno en el París de finales del XIX y principio del XX destaca una legendaria representación española, liderada por una gallega de muchísimo trapío, Carolina Otero, la Bella Otero, Agustina Otero Iglesias, (Valga, Pontevedra, 1868-Niza, 1965), que tuvo amantes tan notables como Guillermo II de Alemania, Nicolás II de Rusia, Leopoldo II de Bélgica y Aristide Briand, entre muchos otros, claro está. En el Museo de Orsay, la Bella Otero está representada a través de unas fotografías de Léopold Reutlinger que hoy pudieran parecer particularmente pacatas, mucho menos «atrevidas» que las imágenes que hoy se difunde a través de los paraísos artificiales de la publicidad audiovisual.


JUAN PEDRO QUIÑONERO / PARÍS






"Doce miradas del coño... y más", nueva exposición del MUSAC
14 de Marzo del 2014
León
"Doce miradas del coño...y más" es el título de la nueva exposición que mostrará a partir de mañana el Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (MUSAC) y que conforman doce fotografías en formato digital creadas por el colectivo "Líneas de Fuga" en colaboración con la Asociación Leonesa Simone de Beauvoir.
En estas fotografías digitales el cuerpo femenino, en concreto la vulva, se convierte en sujeto artístico e hilo conductor desde el que abordar cuestiones preocupantes para el movimiento feminista, como la invisibilidad de las mujeres en la Historia, la prostitución, la división sexual del trabajo o la violencia.
Se trata de un calendario feminista que expondrá el MUSAC entre el 7 y el 14 de marzo y que se complementará con una performance que tendrá como hilo conductor el filme "Trio A" de la bailarina, coreógrafa y cineasta norteamericana Yvonne Rainer.
Esta exposición forma parte del festival Miradas de Mujeres 2014, cuyo objetivo es el reconocimiento del trabajo de las mujeres artistas.
http://www.lavanguardia.com/cultura/20140306/54402855136/doce-miradas-del-cono-y-mas-nueva-exposicion-del-musac.html#.UyGG2N_mdbs.facebook


Desnudos
5 de Febrero del 2014
Unos vecinos del barrio de Hortaleza, de Madrid, han posado desnudos para un calendario. Es su modo de quejarse de la política municipal de Gallardón pero no es el primer calendario protesta. En los últimos numerosos colectivos incómodos con la vida o consigo mismo han intentado aliviar sus penas de ese modo. Da la impresión de que al quitarnos la ropa nos desprendiéramos con ella de conflictos que están en la cabeza.
Foto Internet. Cuadro de Botero
Tampoco es raro si consideramos que al ponérnosla nos llenamos de obligaciones. Imagínese a un general desnudo saliendo de la cama. Seguramente es un tipo amable barrigón, indolente… Pero se coloca el uniforme y las medallas y un no se que le empuja a dar órdenes. Y quien dice un general dice un subsecretario, un director general, un jefe de negociado, un arquitecto. Si la corbata tiene tanto valor simbólico es por la asociación que hacemos entre ella y la oficina.
¿Deja un general de ser general al arrancarse el uniforme? quizás  no, pero no se le nota. Si me cruzo en la calle con un anciano
desnudo me llamará la atención, pero no me impresionara. Si me cruzo, en cambio, con un anciano lleno de medallas, cambio de
Foto Internet. Cuadro de Botero
acera. Y si es un director de personal cambio de acera y de calle. Tengo más miedo a los directores de personal que a los coroneles (y ya es decir). Total que la ropa nos constituye y nos desconstituye. Tradicionalmente los calendarios de los desnudos adornaban los talleres mecánicos y las cabinas de los camiones. La clase media los miraba de frente con indulgencia y de reojo con apetito sexual. La clase media es muy rara. Se va adaptando a todo. Ha adoptado el piercing, el tatuaje y la separación matrimonial sin traumas. Ahora esta decidida a asaltar los calendarios.
Sea bienvenida a este espacio. Para fotografiarse desnudo no es preciso abrazar ninguna causa ecológica, política o religiosa. Uno se puede desnudar porque si, porque le apetece verse y que le vean. Y es que uno necesita que le quieran o que le escuchen sin necesidad de ir disfrazado de administrativo, de general o de ama de casa. Ánimo, el siguiente paso es el “Penthouse”
 Por Juan José Millás



El Museo Británico vende sexo
18 de enero de 2014
Londres
El British Museum con su  exposición: Shunga: sexo y placer en el arte japonés ha conseguido la máxima concurrencia del año.
 Kitagawa Utamaro (d. 1806), amantes en la habitación de arriba de una casa de té, de Utamakura (poema de la almohada), c. 1788, una de las obras mostradas en Shunga Foto: el Patronato del Museo Británico
Dicen que el sexo vende, y este parece haber sido el caso en el Museo Británico. La institución ha registrado sus doce meses más concurridos en sus 255 años de historia, con los visitantes que acudieron a esta exposición.
El museo acogió 6,7 millones de visitas en 2013, hasta ahora, superando su récord anterior, alcanzado en 2008, de 6 millones. El número de visitantes fue un 20 por ciento superior al de 2012.
Su éxito se ha logrado, en parte, a dos de sus más destacadas exposiciones: Vida y muerte en Pompeya y Herculano y Shunga: sexo y placer en el arte japonés.
En la exposición japonesa se destacan los cuadros eróticos y los grabados, producidos entre 1600 y 1900. La exposición, que cerró la semana pasada, recibió casi 88.000 visitantes en tres meses, más del doble del objetivo previsto de 40.000.
Neil MacGregor, Director del Museo Británico dijo: "Estoy encantado de que tantas personas han visitado la colección en el Museo Británico en el último año.
El Museo, en Bloomsbury, Londres, el día que abrió sus puertas al público, un miércoles de 1759,  año que se inauguro, alcanzó alrededor de 75 visitantes al día, mientras que en 2013, han sido de 33.848 en un día.




Rusia quiere censurar antiguas obras de arte por 'eroticas'
26 de Noviembre del 2013
David de Michelangelo y la Venus de Milo pronto se requiera a don hojas de higuera en Rusia, según un nuevo proyecto de ley proponiendo hacer inaccesibles para jóvenes rusos "erótico" obra de arte.
Rusia prohibió acceso para niños con contenido erótico y pornográfico el año pasado, aunque la legislación del país no proporciona una definición legal clara de cualquiera de ellos.
Hasta ahora, contenidos considerados como "tener un valor histórico, artístico o de lo contrario cultural significativo" ha sido exentos de la prohibición.
La regla ha escatimado rusos museos, parques y sitios de la necesidad de obras censor del arte renacentista, antiguo y moderno que representan los pechos desnudos o fondos. Museo Pushkin de Moscú, que muestra con orgullo una réplica del David de Miguel Ángel con los órganos genitales al descubierto, a diferencia de algunas otras réplicas – organizó una exposición de arte desnudo sólo este año.
Pero un nuevo proyecto de ley sobre la seguridad de la información para los menores, publicado por el estado los medios de comunicación y telecomunicaciones vigilante Roscomnadzor, propone eliminar la exención para obras de arte.
El guardián no devolvió una solicitud de comentario en el tiempo para su publicación. Dos expertos involucrados en la redacción de la ley no pueden ser localizados por teléfono el martes.
El proyecto de ley se puso hasta el lunes para la discusión pública, para el cual no fue dado ningún plazo.
Rusia ya listas negras sin una orden judicial sitios web considerad para ser promover el extremismo, drogas ilegales o suicidio, o difusión de pornografía infantil. Acceso al contenido supuestamente pirateados película también puede ser bloqueado temporalmente sin una sentencia judicial.



Desirs el Volupte  
5 de Septiembre del 2013
Exposición sobre la época victoriana
13 de septiembre 2013 al 20 de Enero del 2014
Paris
Esta exposición le invita a descubrir los artistas famosos de la
Inglaterra de la reina Victoria: Sir Lawrence Alma-Tadema (1836-1912), Sir Frederic Leighton (1830-1896), Edward Burne-Jones (1833-1898) o Albert Moore (1841-1893) A través de unas cincuenta obras expuestas, tienen en común estos artistas celebrar el "culto de la belleza '.
Energía del primer mundo bajo el reinado de Victoria (1837-1901), Gran Bretaña abre el camino a profundos cambios económicos y sociales. En este contexto marcado por puritanismo, pintores expresar a través de su sensibilidad un arte que en contraste con la dureza de esta época y su rigor moral: a la antigüedad, las mujeres estériles, suntuosas pinturas decorativas, expresiones poéticas y literarias con composiciones medievales, herederas de los prerrafaelitas.
Búsqueda estética es un arte de vivir y la palabra clave de esos artistas que han hecho de la belleza absoluta. El tema principal de este movimiento artístico llamado "Movimiento estético", es la mujer. Su cuerpo se ve obstaculizado más como en la vida diaria, pero desnudo, que simboliza una forma de voluptuosidad y deseo femenino. Representado en un ambiente de vida reinventada, las mujeres se transforman en heroínas antiguas o medievales. Exuberantes y suntuosos palacios sirven como decoraciones para estos sublimes, lujuriosas, sensuales, románticas, beneficiosas o malas de las mujeres. La pintura se convierte en un ensueño lleno de símbolos…………
 Museo Jacquemart-Andre
Una exposición internacional - París-Roma-Madrid
Después de París, la exposición se presentará en Roma, en el claustro de Bramante de 15 de febrero al 05 de junio de 2014 y luego En el Museo Thyssen-Bornemisza en Madrid, del 23 de junio al 05 de octubre de 2014.
Las obras expuestas en el museo Jacquemart-André, de que algunos son verdaderos íconos del arte británico (Alma-Tadema de Las rosas de Heliogábalo, las muchachas griegas recogiendo guijarros por el mar de Leighton), Le Quatuor, homenaje del pintor en el arte de la música de Albert Moore, Andrómeda de Poynter, pertenecen a una de las mayores colecciones de pintura victoriana en mano privada: la colección de Perez Simon.
Pintores Lawrence Alma Tadema, Edward Burne Jones, John William Godward, Frederick Goodall, Arthur Hughes, Talbot Hughes, Frederic Leighton, Edwin Long, John Everett Millais, Albert Moore, Henry Payne, Charles Edward Perugini, Edward John Poynter, Dante Gabriel Rossetti, Emma Sandys, Simeon Solomon, John Strudwick, John William Waterhouse y William Clarke Wontner, emblemático de la época victoriana, están representados en esta ocasión.
Una exposición internacional - París-Roma-Madrid
Después de París, la exposición se presentará en Roma, en el claustro de Bramante de 15 de febrero al 05 de junio de 2014 y luego En el Museo Thyssen-Bornemisza en Madrid, del 23 de junio al 05 de octubre de 2014.
Leer mas : Museo Jacquemart-Andre


Al desnudo. Colección Ordóñez Falcón de Fotografía
14 de Octubre del 2014
Tenerife                      
Un total de 93 obras fotográficas y cuatro vídeos componen la exposición Al desnudo. Colección Ordóñez Falcón de Fotografía que podrá verse en la sala B de TEA Tenerife Espacio de las Artes del 18 de septiembre al 18 de enero. 
En esta nueva propuesta que ofrece el centro de arte contemporáneo del Cabildo de Tenerife vinculado a la Fundación COFF podrán verse trabajos de los siguientes autores: Adel Abdessemed, Marina Abramovic, Dieter Appelt, Nobuyoshi Araki, Hans Bellmer, Christina Benz, Ruth Bernhard, Bill Brandt, Koos Breukel, Anton Bruehl, Francis Bruguière, Harry Callahan, Toni Catany, John Coplans, Bruce Davidson, Naia del Castillo, John Engström, Manuel Falces López, Joan Fontcuberta, Alex Francés, Carmela García, Emili Godés, Candida Höfer, Craigie Horsfield, George Hugnet, Paul Kooiker, Rudolf Koppitz, Ingar Krauss, Man Ray (Emmanuel Rudzitsky), Robert Mapplethorpe, Ana Mendieta, Daido Moriyama, Irving Penn, Antonio Perumanes, Iñigo Royo, Tomio Seike, Andrés Serrano, Aaron Siskind, Kiki Smith, Sasha Stone, Jindrich Styrsky, Val Telberg, Spencer Tunick, Ulay (Frank Uwe Laysiepen), Eulalia Valldosera, Carla van de Puttelaar, Mayte Vieitia, Edward Weston y Joel-Peter Witkin.
La relación de la fotografía con el desnudo ha estado marcada en todo momento por la atribución de objetividad y realismo que siempre se ha dado al medio fotográfico, por el peso que en ella tiene la función social o los diferentes usos que se le pueden otorgar, por su fuerte vinculación con el voyeurismo, por su relación con el consumo masificado de imágenes y con la construcción y difusión de estereotipos, así como por el hecho de que se tienda a considerar que una fotografía genera una acción refleja en el espectador, sin la mediación o neutralización de otros medios, como la pintura o la escultura. Todo ello ha hecho que el desnudo encontrara en la fotografía un terreno tan privilegiado como problemático para su desarrollo y expresión. El medio fotográfico por su parte, ha encontrado en el desnudo, un ámbito privilegiado de indagación y experimentación.
Desde sus inicios y hasta el pictorialismo, el desnudo fotográfico se mantuvo apegado a la tradición del arte occidental, a la idealización del cuerpo y a las bellas formas. Con la entrada del siglo XX, la fotografía de desnudo sufre profundos cambios, en paralelo a la evolución del propio medio fotográfico. La fotografía modernista, tanto en Europa como en Norteamérica, hace del cuerpo desnudo un territorio privilegiado de experimentación formal, a través del grafismo, la abstracción y el juego de volúmenes, luces y sombras. En el seno de las vanguardias históricas, el surrealismo convertirá la mujer, el sexo y el erotismo en sus temas principales, siendo el desnudo uno de sus campos naturales de expresión e investigación. A través del lenguaje y la materia fotográfica someterán la representación humana a una auténtica revolución. Desde finales de los años sesenta, los artistas del cuerpo y la teoría feminista del arte, procederán a revisar críticamente la tradición y la historia del desnudo, a través de una política radical de los cuerpos. A partir de los años noventa estas tres líneas - el formalismo, el surrealismo y el feminismo - coexisten, actualizadas, en un contexto de clara exacerbación y multiplicación del desnudo.
Alberto Martín*
*Fundador del Centro de Fotografía de la Universidad de Salamanca. Actualmente es comisario y crítico de arte.
http://www.teatenerife.es/expo/al-desnudo-coleccion-ordonez-falcon-de-fotografia



Es arte, no pornografía
30 de enero de 2014
Oregón. EEUU
Un pintor de cuerpos está haciendo campaña para que Facebook cambie sus reglas ya que un  artistas como él debe poder mostrar su trabajo sin estar censurado en Facebook.

Matt Huntley de Portland, dijo Oregon Live, tiene su cuenta en la red social  desactivada desde principios de mes porque sus obras fueron las señaladas como 'pornográficas' al presentar imágenes sobre cuerpos de mujeres desnudas.
Matt Huntley pinta modelos a menudo desnudas. Facebook no permite fotos de su arte.
Ahora ha instalado una nueva página sin las fotos ofensivas - que dice no tiene sentido porque esa es la obra que pretende impulsar.
'Es arte, no pornografía': Matt Huntley, un pintor de cuerpos, está haciendo campaña para que Facebook cambie sus reglas y artistas como él puedan mostrar sus trabajo sin censuras.
'Mi cuenta personal fue cerrada, y bloqueada mi cuenta de negocios'. El  Sr. Huntley  perdió cientos de contactos y miles de fotos.
Matt Steinfeld, Gerente de comunicaciones de la política de Facebook, dijo que las fotos del Sr. Huntley, al principio, fueron censuradas por un usuario.
El arte sobre cuerpos en la pintura, a menudo para imitar la ropa o las escenas de la naturaleza, está mal visto porque mientras los pechos y los pezones están cubiertos, el resto de su contorno es generalmente visible.
Se decidió que el contenido de la página de Facebook del Sr. Huntley violó los lineamientos de los estándares comunitarios y recibió una notificación por correo electrónico.
Obra de Matt Huntley
Fuente de controversia: descubrió que su cuenta en la red social fue desactivado a comienzos de esta semana porque estaban con imágenes de sus lienzos mujeres desnudas - como éste - marca 'pornográfico'
Intrincado proceso: sus obras de arte puede tomar hasta cuatro horas para crear y sesiones van desde los $80 a $400
Se le dio la oportunidad de tomar abajo su perfil, dijo, pero cuando él declinó la oferta, fue removido por él.
La sección de normas de la comunidad de Facebook 'desnudos y pornografía' vagamente afirma que, aparte de imágenes pornográficas 'también imponemos limitaciones en la pantalla de la desnudez.'
'Cuando nos metemos en desnudez... es difícil trazar líneas entre las cosas que son arte y cosas que no son Arte'
Continúa: 'Aspiramos a respetar el derecho de las personas a compartir contenido de importancia personal, si son fotos de una escultura como David de Miguel Ángel o fotos de la familia de una niño la lactancia materna'.
Sr. Huntley insiste en que su trabajo no es cualquier toma de la corriente interminable de fotos medio desnuda bikini que abundan en el sitio.
"Esto va fuera de la vista de lo que es decente y lo que no es decente", dijo.
Pero Facebook sostiene que actuó apropiadamente.
"Cuando nos metemos en desnudez... es difícil trazar líneas entre las cosas que son arte y cosas que no son arte", dijo el Sr. Steinfeld.
Truco del ojo: el arte de pintar cuerpos, a menudo para imitar la ropa, está mal visto porque mientras los pechos y los pezones están cubiertos, su contorno es generalmente visible
'En este caso, porque nuestras políticas son aplicadas por los seres humanos, tenemos que dibujar dibujado objetivamente estándares.'
La cuestión no es nueva.
Facebook se ha abordado una serie de dilemas éticos que involucran imágenes desnudas en los últimos años, incluyendo debates sobre fotos de pacientes de mastectomía y las madres que amamantan, que conducen a cambios en las normas.
Nueva página de Facebook del Sr. Huntley titulado Bodypaint por números muestra la proyección de imagen perfil él sacando su lengua desafiante a la cámara con un spray puede en su mano.
Su imagen de portada Lee 'Censurado' y en la sección 'acerca de' destaca: "mi arte es diferente a lo que muchos considerarían arte clásico o incluso convencional... Uso a la gente como mi lienzo.'
Sus cuerpo pintura obras de arte puede tomar hasta cuatro horas para crear y sesiones van desde $80 a $400.
Por Sadie Whitelocks


Esculturas de Buda desnudo descolgadas por un edificio causan revuelo en los medios sociales
21 de Enero del 2014
Jinan (China)
Esculturas de Budas desnudos trepando por un edificio en una zona comercial de la ciudad de Jinan fueron desmanteladas tras activarse un debate en los medios de comunicación e  Internet sobre la conveniencia o no, de este hecho y si constituían arte o un delito público, se informó el lunes.
Foto de Chinanews.com mostrando las dos esculturas erigidas sobre un restaurante “Olla Caliente”. Foto: SCMP
Algunos residentes de la ciudad, capital de la provincia oriental de Shandong, dijeron que las estatuas fueron retiradas por orden de las autoridades locales. Sin embargo, la Oficina Municipal de Jinan de la Administración municipal no hizo comentarios tras el hecho.
Las estatuas de Buda fueron erigidas en la pared del restaurante “Olla Caliente” en una concurrida calle comercial. Una de las estatuas se muestra a Buda escalando la pared con sus nalgas hacia la calle, mientras que la otra le espera en lo alto de la tapia con las manos entrelazadas como orando. Se desconocen los autores de estas obras.
Un usuario de Sina Weibo publicó una foto de los Budas el domingo pasado, y de inmediato se divulgó. Fotos de alta resolución tomadas por China News Estatal, también se difundieron rápidamente. Radio Internacional de China y el Beijing Youth Daily nominaron en sus noticias como arte a las esculturas.
Sin embargo, algunos practicantes budistas Zen dijeron que se sintieron ofendidos. "Me eché a llorar cuando vi, desnuda, la escalada de Budas por encima del muro! ¿Cómo es que una nación con una historia de mil años tiene tan poco respeto por su propia cultura? "Un practicante llamado Miaoming del Monasterio Zen Beihai en la provincia de Qinghai, escribió en su microblog.
Otros simplemente veían humor en las fotos. El fin de semana, los internautas apodaron la instalación "Buda salta por encima de la pared", el nombre de un plato de lujo que contiene casi todos los ingredientes caros de la cocina china: abulón, pepino de mar, vieiras secas y pescados entre ellos.
Pero por la mañana del lunes, las esculturas habían desaparecido."Las órdenes [de desmantelamiento] fueron enviadas ayer por la noche", dijo un grupo de microblog para los residentes de Jinan en la mañana del lunes. "Pero gracias a las esculturas, nuestra conservadora ciudad de Jinan, finalmente, fue noticia!"
Andrea Chen 
andrea. chen@scmp.com



Artista se niega a pintar "Fotos" de mujeres
25 de enero de 2014
New York

"La belleza es sólo interesante cuando no es perfecta," escribe la pintora Megan Van Groll. Dotada de una gran capacidad de dibujo, Van Groll sugirió la idea de obras “bonitas”, desde su óptica pictórica, especialmente en las mujeres. En sus obras, la artista explora las tensiones entre los aspectos generales de la construcción de género y las complejidades de sus vidas.
Aunque admite que sus imágenes son evocadoras de "una versión canonizada de belleza femenina occidental", quiere complicar las representaciones de desnudos femeninos y su personalidad. Mostrando senos redondeados junto a cuerpos bronceados, construye imágenes que están comprometidas simultáneamente entre el conflicto de la perfección  y la estética cultural poco
realista.
Visto como un consumidor y un producto consumido, los temas femeninos sufren de identidades fracturadas dolorosamente.
Lo que surge es la mujer, igualmente desnuda en público y en privado, revelando las partes más íntimas de su cuerpo y su psique si ella elige o no. A su vez al espectador se ve obligado a enfrentar las complejidades de la experiencia femenina y navegar un paisaje incómodamente voyeurista.
Publicado por: Ellyn Ruddick-Sunstein en Bust Magazin
http://www.bust.com/artist-refuses-to-paint-pretty-pictures-of-women-confronting-objectification-beautifully.html



Exposición en 7 Galerías de Arte sobre el tema del Desnudo
28 de enero de 2014
Denver  EEUU

En la celebración de la exposición anual de la Galería Art Center, Au Naturel: el desnudo en el siglo XXI, en Astoria Restaurant Clatsop Community College, RiverSea Gallery, Imogen, Galería fotográfica Lightbox, Tempo, encuadre de ciudad vieja, en Galería de pelo De y de Clemente presente desnudos Downtown: un compendio de arte inspirado por Au Naturel. Este lugar múltiples exposición se desarrollará simultáneamente con Au Naturel, ofreciendo obras disponibles para la visualización de principio 07 de febrero de 2014. La exposición celebrada en los siete Astoria incluirán espacios invitó a artistas entre los que regularmente se representan y otros invitaron especialmente para este espectáculo. Todos los lugares involucrados han programado apertura recepciones Downtown desnudos durante segundo sábado Artwalk del Astoria el 8 de febrero, de 5:00 a 20:00.
Fotos por Vicki Baker
Representaciones de la forma humana, que se remonta a las primeras sociedades de vivienda cueva, fueron algunas de la primera floración de expresión artística y la parte del registro de la civilización. Representación de la forma humana en el arte durante mucho tiempo ha sido reconocida como una importante fuente de inspiración y para muchos artistas el núcleo de todas las actividades artísticas. Es con esto en mente que una vez al año que el Art Center Gallery of Clatsop Community College presenta Au Naturel, con jurado una colección de pinturas, dibujos y grabados seleccionaron de artistas de todo el mundo, honrando la importancia del desnudo como una forma de arte. En apoyo a la exposición anual con jurado, un número de lugares de Arte
Fotos por Vicki Baker
Centro presentará obra celebrando este género, ampliando así el concepto más allá de los límites del campus. Una colección diversa se exhibirá a lo largo de galerías de arte centro y apoyo a empresas, creando un paseo de arte única y coherente totalmente centrado en el tema de la humanidad en su forma más elemental.
Los desnudos al centro, exhibición de arte de 2014 se ejecutará desde febrero a finales de marzo. Todas galerías y empresas participantes en este cuarto año de desnudos al centro, estará participando en el segundo sábado Art Walk, así como otros eventos programados a lo largo de los dos meses en cada una de las siete galerías y lugares.
Los artistas cuyas obras han sido seleccionadas por galerías que se exhibirán este año incluyen:


Fotos por Vicki Baker
*.-Galería de RiverSea: Lea McCombs, Anna Kodesch, Sagan Newham
*.-Galería de Imogen: Jo Ellen Rademacher, Kerri Warner
*.-Galería fotográfica de lightbox: Catherine Al-Meten
*.-Antiguo pueblo encuadre compañía: Richard Bulman, Vicki Baker, Sandi Ludescher, Jack Black y Tim Ayupov
*.-Colectiva galería tempo/artistas: Yvonne Edwards, Elizabeth Bonn Zimmerman, Marga Stanley, Vicki Baker, Normandie mano y Bettelu Krause
*.-En D pelo Galería: Yvonne Edwards, Sheryl Redburn, Rosalie Altina y Catherine Al-Meten
http://www.examiner.com/article/local-galleries-and-businesses-nudes-downtown-2014-exhibit-feb-march




¿Pueden, los retratos de desnudos de grandes tallas, cambiar nuestros estándares de belleza?
18 De noviembre de 2013

Las famosas, comediantes aparte, mujeres con sobrepeso son prácticamente invisibles en los medios de comunicación. Cuando aparecen, típicamente son el telón de fondo en otra ronda de tut-tutting sobre las tasas de obesidad. Y aun así, están fotografiadas solo de espaldas, o están deshumanizadas por tener sus cabezas fuera de plano.
El fotógrafo italiano Yossi Loloi está en una cruzada para cambiar esto. La colección de Loloi de imágenes, el Proyecto completo de belleza, desafía a la vista con cuerpos grasos que, por lo general, deben quedar ocultos o son merecedores del desprecio. Sus fotografías ilustran a las mujeres obesas desnudas en toda su voluptuosidad.
"En mi trabajo retrato lo que representan las mujeres más grandes para mí”. Loloi enfoco en su plenitud y feminidad, como una forma de protesta contra la discriminación por los medios de comunicación y la sociedad de hoy,"explica en su página Web.
"Creo que 'libertad propia del gusto' y [nosotros] no deberíamos estar renuentes de expresar [nuestra] inclinación hacia ella. Limitar esta libertad está viviendo en una dictadura de la estética."
La ausencia de ropa no es el aspecto más revelador de trabajo de Loloi. Por el contrario, es la ausencia de vergüenza.
Mujeres gordas raramente gozan del lujo de orgullo. A lo mejor, son objetos de piedad y condescendencia: coaccionado por partes "bien intencionadas" a admitir el fracaso, rechazo y un deseo de redimirse.
Temas de Loloi, por el contrario, no avergüenzan, las modelos están orgullosas y dignas, mirando audazmente por el cañón de la cámara, como devolviendo la mirada del espectador.
"Las mujeres representadas son objetivos de la reacción social, pero son fuertes," Loloi dijo en una entrevista con Newsweek. "Luchan por su aceptación en un mundo que no aprueba el amor, la desnudez y mucho menos” obesidad  mórbida" o la posibilidad de que algunas personas encuentran belleza en todas esas mujeres en algo que otras gastan miles de dólares cada año intentando borrar."
Foto: Proyecto completo de belleza
Pero a pesar de la política abierta hacia el cuerpo el trabajo de Loloi, el proyecto completo de belleza ha recibido más críticas que apoyo. Fue acusado de promover modos de vida malsanos.
"Creo que cada vez que alguien sugiere que estoy promoviendo 'gordura', se dirige en la dirección equivocada," dijo Loloi "Lo que estoy tratando de subrayar con mi trabajo es que cualquier individuo tiene el derecho a ser considerada hermosa, y que la belleza no pertenecen a una categoría en el mundo".
"Cuanta más gente me acusa de promover la grasa, más entiendo que hay más trabajo por hacer para recordarle a la gente que son bellas porque son diferentes," dijo.
La estridente protesta por promover la obesidad es tan aburrida como predecible. A menudo la reacción contra las imágenes de Loloi dice más sobre los prejuicios de los críticos que su genuina preocupación por la salud de estas mujeres.
Pero tan impactantes como imágenes de Loloi, su potencial para lograr un cambio es confinado dentro de los estrechos límites de la política de la belleza. Mientras que las imágenes pueden ampliar los parámetros de lo que consideramos bellos, aún operan dentro de una economía donde la belleza es la única fuente de valor de una mujer.
Una colección de fotografías de hombres similar, probablemente, tendría menos de un impacto por la sencilla razón que los hombres no son obligados a ser hermoso. Porque los hombres son valorados por ser inteligentes, competentes, graciosos o ambiciosos, y no tienen necesidad de quitarse la ropa para hacer una declaración política sobre su valor.
Sin embargo, es un progreso ver a mujeres con sobrepeso haciendo algo distinto y que de alguna forma les presten atención los diferentes medios de comunicación. Pero si realmente queremos validar las experiencias de las mujeres más grandes, entonces tenemos que ir más allá de cuestiones de belleza para analizar a las mujeres en toda su complejidad, no sólo como objetos para ser juzgados.
 Kasey Edwards. Leer más. www.kaseyedwards.comProyecto completo de belleza. http://www.fullbeautyproject.com/



Del pezón viene el amor
24 de Octubre del 2013
Del pezón y de las vísceras, también, viene el amor. Porque las palabras se nutren de cuerpo, del aparato fonador que las pronuncia y del cuerpo que las siente. Porque amar viene de “mama” (y de ahí 'mamar'), el mismo gesto y sonido de la onomatopeya original con la que el bebé pide el pezón.
 'La mujer en las olas' de Gustave Courbet
A vueltas con la oralidad, aunque ya no hace falta que vuelva a confesar que soy muy oralEste post también va de lenguas y del amor como nuestro eterno retorno al seno materno, con la mm sostenida. Nuestro eterno retorno a la leche tibia de la madre, porque "las primeras expresiones verbales del infante tienen que ver con el acto de succión, su primera actividad voluntaria", como explica la lingüista Ivonne Bordelois en Etimología de las pasiones.
Nuestro eterno retorno al cuerpo.
"La etimología es una empresa de recuperación del cuerpo, no solo del cuerpo de la palabra, sino de nuestro propio cuerpo", explica Bordelois en ese libro que una vez trajimos, a propósito del sentido figurado con que nacemos las mujeres y el lenguaje.
"Toda palabra y toda lengua es onomatopéyica", dijo Walter Benjamín, citado por Bordelois. También habló Benjamin de la lectura de las vísceras, las estrellas o las danzas como la actividad primigenia que anticipó nuestra capacidad de escribir y leer actuales.
"La M del amor de las lenguas romances, meridionales, como la L (presente, entre otros ejemplos en el inglés love) de las lenguas germánicas, septentrionales, la relación se ofrece a través de dos onomatopeyas centrales, que reproducen los gestos de la boca y de la lengua, respectivamente. Estos gestos, en ambos casos, se refieren, reproducen y apuntan al acercamiento al pezón y al lamer o paladear propios del amamantamiento".
Para las lenguas europeas, las palabras son conceptos abstractos, entidades espirituales, no metáforas, y menos onomatopeyas, sonidos guturales, animales. Apenas tienen cuerpo. Pero las palabras, como nuestros cuerpos, se resisten, hacen ruidos; toda clase de ruidos. Las palabras son ruido y significado, ruido e idea (...) Las onomatopeyas son testigos del origen encarnadamente corporal de nuestras palabras", señala Bordelois.
L de Love, Liebe, Lust (placer, deseo, ganas, en alemán). L de lamer, lascivia, lujuria, libido y leche. M de milk (leche en inglés) y tan sonora en amamantar y en amar.
Lo nutricio está presente en todas las lenguas indoeuropeas al hablar del amor y de hacer el amor. Y no solo en las indoeuropeas: como ejemplo, la lingüista toma de Eduardo Galeano la recuperación del che ha'u de los guaraníes que significa tanto comer como hacer el amor. Lo sexual como una prolongación del alimento puede rastrearse en el origen de los términos que usamos para copular o para comer/nos.
La conciencia es corporal.
"La conciencia reflexiva humana es la síntesis de las sensaciones que vienen del cuerpo", aseguraba el neurofisiólogo Paul Chauchard. Este científico, que fue catedrático en la École Practique des Hautes Éstudes de La Sorbona, postulaba: "Soy un cuerpo y por mi cuerpo pienso, espiritualizo y me personalizo, entro en relación con el mundo y los otros, expreso mis sentimientos".
"Se ha afirmado -insistía Chauchard- que el hombre comporta una triple categoría: carne, psiquismo y espíritu. En los tres niveles es cuerpo (...) El cerebro es, de alguna manera, un resumen del cuerpo: pensamos con imágenes de origen sensible".
Pero la palabra, o algunas de ellas, han ido desligándose de su carnalidad. Y es que al cuerpo se lo ha demonizado y penalizado, suponiendo que se trata de la antítesis, primero de lo religioso, luego de lo intelectual o lo científico (en nombre de la modernidad) y, finalmente, como enemigo de lo material y del individuo que consume, amparado este en la cofradía de un dios secular, donde para pertenecer hay que controlar los impulsos (algunos impulsos).
Pero esta carne instintiva, sexualizada, nos turba.
'El sueño' de Gustave Courbet.
Amor no tiene nada de abstracto. Tampoco la palabra con que designan en rifeño al amor: Tsa-ino, que literalmente significa 'hígado mío', como me comenta nuestro autor invitado nacido en el Rif.
A propósito, vuelvo a Bordelois: "el cuerpo -que constituye el asiento de las pasiones- es la primera palabra, la palabra fundamental de la cual todas las demás palabras emanan. Por eso muchas de las palabras que denotan las diversas pasiones en nuestras lenguas provienen claramente de los nombres que designan zonas, propiedades y acciones de nuestros cuerpos".
¿Y cuáles son las funciones del hígado? Entre otras varias, produce y almacena energía en forma de glucógeno, procesa y reparte las reservas de combustible y clasifica y elimina toxinas. Algunos médicos incluso establecen una relación simbólica del hígado con cuestiones filosóficas y religiosas por su misión en la síntesis de la albúmina, que es la base de la vida.
Entonces, Bordelois nos conduce a Spinoza, que se oponía tenazmente a separar la razón de la pasión. Del filósofo rescata la noción de que "amamos a quien nos vuelve alegres, a aquel que difunde en nosotros una luminosa energía". Y de alegría, y no de sacrificios, está hecha la felicidad, que "no es consecuencia de la virtud: no somos felices por ser buenos, sino que llegamos a ser virtuosos porque somos felices".  
Por: Anne Cé
Anne Cé. Nació en el sur austral (Argentina), en un tiempo beatle y en un país con altísima densidad de psicoanalistas y jugadores de fútbol. Periodista, quizá incluso a su pesar, narra lo que se le ponga delante. Y narra, y narra. Un día descubrió que el simple roce de una clavícula le erizaba la piel y entonces comprendió por qué le gusta tanto abrazar a un hombre.



Masculino / Masculino. El hombre desnudo en el arte desde 1800 hasta la actualidad.
24 de Septiembre 2013 - 2 de Enero 2014
Mientras que el desnudo femenino se muestra con tanta frecuencia como naturalidad, el cuerpo masculino no ha disfrutado de la misma situación. Resulta más que significativo que ninguna exposición haya enfocado como objeto volver a poner en perspectiva la representación del hombre desnudo, durante un largo periodo de la historia, antes del Leopold Museum de Viena durante el otoño del 2012. No obstante, la desnudez masculina formó parte, durante mucho tiempo, de las bases de la formación académica del siglo XVII al XIX y constituye una línea de fuerza de la creación en Occidente.
Mercurio
Apoyándose en la riqueza de su propio fondo (algunas esculturas desconocidas) y en las colecciones públicas francesas, el museo de Orsay ambiciona pues, con la exposición Masculino / Masculino, profundizar, en una lógica a la vez interpretativa, lúdica, sociológica y filosófica, todas las dimensiones y sentidos de la desnudez masculina en el arte.
 “Abel” (1874-1875) obra de Bellanger. Musée d´Orsay
Porque el siglo XIX se inspira en el clasicismo del siglo XVIII y que su eco retumba hasta la actualidad, esta exposición amplía el horizonte tradicional del museo de Orsay, para abarcar más de dos siglos de creación hasta la fecha, en todas las técnicas, pintura, escultura, artes gráficas y, por supuesto, fotografía, que tendrán el mismo lugar en el recorrido.
Pierre et Gilles Mercure© Pierre et Gilles. Courtesy Galerie Jérôme de Noirmont, Paris
Exposición organizada por el Museo de Orsay, París, y el Museo Leopold de Viena
Museo d´Orsay del 24 de Septiembre del 2013 al 2 de Enero del2014



El Museo d'Orsay reivindica el desnudo masculino
13 de Septiembre del 2013
.- La pinacoteca de París anuncia una gran exposición que reunirá representaciones artísticas masculinas sin ropa y explorara sus significados.
.- El d`Orsay sigue la estela de la muestra del museo austriaco Leopold “Nackt Männer” (“Hombres desnudos”) que causo gran revuelo en Viena en el 2012.
.- Entre las obras, divididas por áreas temáticas y no  por orden cronológico, hay trabajos de La Tour, Bacon, Munch, Mapplethorpe..

                                            “Abel” (1874-1875) obra de Bellanger. Musée d´Orsay
Cuando el museo Leopold de Viena inauguró en 2012 Nackte Männer (Hombres desnudos) se publicitó con carteles que —como era de suponer— hacían referencia al contenido de la muestra. La foto de los artistas franceses Pierre Commoy y Gilles Blanchard (Pierre et Gilles) enseñaba a tres modelos ataviados nada más que con botas de fútbol y calcetines hasta las rodillas. Las críticas no tardaron en llegar y fueron tantas que el museo (sorprendido y divertido por el revuelo que causó la imagen) tuvo que añadir una banda roja para cubrir los genitales.
El Museo de´Orsay de París elogia la exposición austriaca y resalta la necesidad que había de ofrecer un "acercamiento fresco", con una "rigurosa perspectiva histórica" a la representación del hombre desnudo en el arte.
En apoyo a la innovación, la pinacoteca francesa anuncia el estreno el 24 de septiembre de una exposición que sigue la estela del centro vienés. Masculin / Masculin. L'homme nu dans l'art de 1800 à nos jour
(Masculino/Masculino. El hombre desnudo en el arte de 1800 hasta nuestros días) —organizada con la colaboración del Leopold— defiende la naturalidad artística de la figura masculina despojada de ropa, mucho más infrecuente que la desnudez femenina.
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